10 filmes essenciais de Jean Renoir para levá-lo ao 'rio'

Esta semana vê o Critério Blu-Ray liberação de Jean RenoirMaravilha tecnicolor de 1951 “O Rio. ”O narrador do filme relembra memórias de sua infância na Índia, como“ o tempo passou despercebido ”. É um sentimento que permeia todos os grandes filmes de Renoir, e dos 40 que ele dirigiu, nenhum é ruim, a maioria é ótima e muito mais. do que alguns são essenciais. Como filho do impressionista francês Pierre-Auguste, O envolvimento de Jean Renoir ao longo da vida com a criatividade foi uma conclusão precipitada.

O verdadeiro diretor de um diretor, amado e admirado por pessoas como Orson Welles, Peter Bogdanovich, Martin Scorsese, Wes Anderson e todas as armas jovens da nova onda francesa emergente, o romantismo infalível e a humanidade de Renoir fluíram em todos os seus filmes. Seus motivos incluem teatralidade, uma idealização da vida no campo e o conceito de rio, que muitas vezes representava a fuga definitiva e sempre em fluxo. Em seu artigo do Observer sobre Renoir, (com a manobra sem sentido, 'O Melhor Diretor de Sempre'), Bogdanovich escreve: 'Seus filmes parecem crescer a partir do momento em que você está assistindo, em vez de ficar congelado no tempo'. e os compara ao movimento de um rio. É uma descrição perfeita disso não sei o que elemento nos filmes de Renoir; nunca chamativo, cômico com um propósito, uma compreensão sem fundo das narrativas cinematográficas e uma atemporalidade estranha.

De muitas maneiras, Renoir é o progenitor de várias técnicas e movimentos que mudariam o cinema para sempre. Ele também é famoso por observar 'a coisa horrível da vida é esta: todo mundo tem suas razões'; em seu trabalho mais elogiado, “;As regras do jogo. ”; A seguir, o resumo da Playlist de 10 filmes essenciais de Jean Renoir que antecederam e incluíram 'The River'.



Você sabe onde ir nos contar sobre o seu filme favorito de Jean Renoir. Até então, bom apetite!

“; Boudu salvou-se do afogamento ”; (1932)
Renoir e ator Michel Simon passaram de filmes mudos para talkies de mãos dadas, trabalhando duas vezes antes de se associarem pela terceira e última vez a 'Boudu Salva do Afogamento'. Essa familiaridade, combinada com a compreensão íntima de Simon do 'vagabundo perfeito', (o ator desempenhou o papel no palco antes de imortalizá-lo na tela) e a firme compreensão de Renoir sobre aspectos técnicos emergentes tornam 'Boudu' uma tríplice vencedora de diretor, ator e personagem. A história agora clássica segue Monsieur Lestingois (Charles Granval), uma moça burguesa arrogante, como ele salva a vida de Boudu (Simon) e decide domesticar o vagabundo sem vergonha e transformá-lo em um cavalheiro. A hilaridade ocorre quando Boudu altera todos os códigos morais e éticos da família Lestingo. Renoir investiu René Fauchois'brinque com um talento inato para a narrativa cinematográfica e alterou elementos da história (principalmente o final), a fim de refletir suas próprias sensibilidades sobre a disparidade de classe, o livre arbítrio e o complexo tecido social costurado pelas relações humanas - temas que atravessam Toda a filmografia de Renoir. Os primeiros sinais de seu controle diretivo contínuo estão por toda parte; um favorito pessoal vê Boudu procurando seu cachorro e buscando ajuda de um policial. Em uma única tomada, o policial o ignora, apenas para ajudar uma senhora rica em uma situação semelhante (seu cachorro vale 10.000 francos, veja você). Boudu é uma força da natureza de espírito livre, rebelando-se contra a alta cultura, e um dos personagens mais divertidos de Renoir. Um reconhecimento especial deve ser o desempenho incrivelmente brilhante de Simon - ele olha os olhos em uma loucura angular e ri de respeitabilidade onde quer que a corrente o leve.


“; Toni ”; (1935)

Em meados da década de 1930, Renoir já estava alcançando uma posição invejável na indústria cinematográfica francesa, mas antes de trabalhar em cenários grandiosos e transformar atores em estrelas, ele filmou uma história íntima centrada em torno de imigrantes no sul da França, filmando em locações e usando atores não profissionais. “; Toni ”; é um filme que geralmente é enterrado sob o peso cinematográfico das obras-primas posteriores de Renoir, mas merece esse espaço por inspirar um grande movimento cinematográfico em outro país (mais sobre o que está abaixo) e é um filme fenomenalmente bem realizado por si só. Ele descreve um trágico triângulo amoroso como o imigrante italiano Toni (Charles Blavette) é infeliz casado com a anfitriã local Marie (uma monumental Jenny Helia) e apaixonado pelo companheiro imigrante Josefa (Celia Montalvan), tudo voltado para o cenário ensolarado da Provence de colarinho azul. Com este filme, Renoir apresentou outra razão para seu legado eterno: um diretor que não precisava contar com atores experientes para criar algo eternamente afetivo. Pense no enquadramento e no movimento da câmera quando um cantor local explode em uma serenata eloquente, ou a cena transita em torno da tentativa de suicídio de Marie. A única cena de Marie remando para longe da terra e em direção à vastidão ilimitada contém uma força visual indescritível e se mantém como minha favorita entre a infinidade de longas gloriosas encontradas na filmografia de Renoir. É uma história simples, elevada pela habilidade de seu diretor, e Luchino Visconti, que ajudou Renoir na foto, recebeu claramente a mensagem. Ele levou a planta de um dos maiores filmes neorrealistas italianos não dirigidos por um italiano de volta para casa com ele, e o resto é história do cinema.

adam dimarco nu


'O crime do monsieur Lange' (1936)

Outro título que é esquecido com muita facilidade ao discutir as maiores realizações de Renoir, 'The Crime of Monsieur Lange' é uma visualização essencial para qualquer fã de Renoir que deseje entender suas persuasões políticas - é um filme 'tocado pela graça' de acordo com Francois Truffaut. O cinema europeu foi perfurado pelo crescente movimento nazista na década de 1930, e Renoir, juntamente com Jean Castanyer e Jacques Prevert, desenvolveu um enredo politicamente mordaz que questiona diretamente a autoridade e os limites éticos que a pessoa deve e não deve cruzar. Amedee Lange, educada e gentil (Rene Lefevre) cometeu um crime e está fugindo com sua namorada Valentine (uma magnífica Florelle) Quando ele é reconhecido por um grupo de clientes da estalagem, Valentine conta sua história e qual é realmente o crime de Lange, antes de dar a eles a chance de entregá-lo à polícia. Dessa maneira, uma das cenas mais absorventes de um filme de Renoir é introduzida: o mundo da publicação do coletivo 'Javert'; projetado para reunir histórias de detetive, primeiro sob a supervisão materialista de Monsieur Batala (uma deliciosamente vilã Jules berry) e mais tarde, como uma cooperativa genuína liderada pelo sucesso do trabalho de Lange. Renoir tocou com funky dissolve e pistas musicais bombásticas de um colaborador de longa data Joseph Kosma, mas são os momentos mais calmos, como quando Valentine canta para a Amedee, e personagens secundários como o velho soldado que não tem recibo, que impregnam a foto com a extraordinária ternura e apreciação de Renoir por seu próximo. Enquanto o filme cresceu além de seus quadros e atua como uma gravação artística de um período político muito particular na França, ele ainda está muito vivo e é uma das assinaturas sobrenaturais de Renoir.


'As profundezas inferiores' (1936)
Verdade seja dita, a versão de Renoir de Maxim Gorky'As profundezas mais baixas' espremido apenas por um fio nesta lista. Mas mesmo se Akira KurosawaA versão de algumas décadas depois se mostraria superior (uma opinião que o próprio Renoir também defendia), existem algumas razões muito importantes pelas quais é essencial para qualquer fã de Renoir. Foi a primeira vez que Renoir trabalhou com Jean Gabin, que iria fazer mais três filmes com Renoir e solidificar uma das maiores colaborações ator-diretor do cinema. Forneceu um papel para uma das performances de apoio mais memoráveis ​​de qualquer filme de Renoir, a do Barão, interpretada pelo irreprimivelmente magnético Louis Jouvet. Também é significativo na maneira como Renoir adaptou a peça - exatamente como ele modificou Fauchois por meio de sua versão personalizada de 'Boudu', reformula Gorky e expande os limites do cenário para mostrar mais do mundo ao redor da pousada no centro. O retrato icônico de Gabin do ladrão Pepel, que sonha em escapar do flophouse e levar sua amada (Junie Astor) com ele, é rebatido pelo barão de jogo de Jouvet, que vai de riquezas a trapos e descobre que o flophouse combina muito bem com suas inclinações. 'As profundezas inferiores' também é um dos maiores exemplos de quanta atenção Renoir dedicou a personagens marginais, para que o espectador reviva a vitalidade do filme através do ator condenado ou da loira Nastia (Jany Holt) E mesmo que Renoir odiasse infamemente o desempenho de madeira de Astor (sério, ela é como uma prancha ao lado de Gabin), o mesmo filme nos dá cenas icônicas como a de Gabin, Jouvet e um caracol na margem do rio. Cenas como essa, não encontradas na fonte original, mas imaginativamente inventadas pelo gênio espontâneo de Renoir, tornam esta versão de 'The Lower Depths' indelével.


'Um dia no país' (1936)

O mau tempo impediu a conclusão do filme seguinte de Renoir, 'Um dia no país', e, ao fazer isso, parou rapidamente o que poderia ter sido sua magnum opus. Felizmente, ninguém se atreveu a invadir a visão de Renoir, e o filme foi lançado cerca de uma década depois. Este featurette é uma prova do que Renoir pode fazer em 40 minutos, capturando um mundo bucólico cheio de afetos com um calor tão imenso que transcende a tela e mergulha diretamente em seu coração. Apenas um punhado de diretores já teve essa capacidade e, mesmo assim, eles geralmente precisam de pelo menos uma hora e meia de duração. Adaptado de um conto escrito por Guy de Maupassant (que era amigo de Pierre-Augustine Renoir, btw), 'Um dia no país' segue um grupo de parisienses que passam uma tarde de domingo no país. Filha Henriette (Sylvia Bataille, quem, pelo meu dinheiro, apresenta o melhor desempenho feminino em qualquer filme da Renoir) e mãe (Marcas de Jane) são consequentemente cortejados e divertidos por dois meninos do campo. E em um momento fatídico, encapsulado por um close assustadoramente penetrante, a vida de Henriette mudou para sempre. O filme é resplandecente com suas imagens bucólicas, com suas fotos gloriosas do céu e da natureza circundante que Henriette é tão comovido, e uma trilha final de rastreamento que desliza ameaçadoramente na superfície de um rio perturbado por gotas de chuva representando a passagem do tempo e simbolizando o fim da inocência de Henriette. 'Um dia no país' é o mais impressionista do trabalho de Renoir: é um poema visual que coloca o mundo idílico do país contra as banalidades da sociedade urbana e, apesar de curto, é, de muitas maneiras, o mais longo suspiro de ar fresco na filmografia de Renoir.


'La Grande Illusion' (1937)
Agora vem um dos filmes mais reconhecidos e lembrados com carinho por Renoir, uma obra-prima com o tipo de magnitude e vibração de longo alcance que lhe trouxe seu primeiro gosto de fama internacional. Adorado por Orson Welles, que o escolheu como seu filme em uma ilha deserta e o primeiro filme estrangeiro a ser indicado ao Oscar de Melhor Filme, 'The Grand Illusion'. é um dos melhores filmes de prisioneiros de guerra de todos os tempos e provavelmente o maior filme sobre a irmandade internacional e entre classes. Renoir se reúne novamente com seu maior ator, Gabin, e conduz temas tão próximos de seu coração e convicções antiguerra que o legado do filme não é de surpreender. Aviadores franceses Marechal (Gabin) e Boeldieu (fabulosamente elegante Pierre Fresnay) passe de um campo de prisioneiros para outro, misturando-se com outros presos, planejando fugas e encontrando o aristocrático capitão alemão von Rauffenstein (um fantasticamente rígido Erich Von Stroheim) A maneira como Renoir filma essas interações - seja uma discussão sobre a preferência de restaurantes entre reclusos ou a honra de defender a nobreza entre dois generais aristocráticos - é onde a magia reside em 'A Grande Ilusão'. E sempre que um dos três atores mencionados é destaque, o legado do filme é reforçado muito mais. Sua estrutura em três partes foi analisada incessantemente por estudiosos do cinema, seu tema abrangente de compaixão em meio à insensatez da guerra influenciou inúmeros filmes anti-guerra por vir e seu ritmo gracioso (pense na dramática mudança de tom quando Gabin interrompe o show de vaudeville) ) permanece incomparável. Você acha que um filme com tanta testosterona seria um braço forte para qualquer performance feminina, mas “;L'Atalante'S Dita eu falo faz uma aparição tardia e, em algumas cenas curtas, arranca o que resta do seu coração.


'A Besta Humana' (1938)

os abcs de beth episódio completo

Ansioso para continuar a colaboração bem-sucedida após 'Illusion', Jean Gabin trouxe a ideia de adaptar Emile ZolaO célebre romance 'La Bête Humaine' para Renoir. É uma imagem única de Renoir porque é a mais sombria ('Toni' é um segundo próximo), apresentando uma história macabra envolvendo assassinato, o infeliz casamento entre Severine (Simone Simon) e Roubaud (Fernand Ledoux) e um improvável anti-herói no engenheiro de trens Jacque Lantier (Gabin), um homem atormentado por explosões violentas devido a uma linhagem corrompida. Com a empolgação evocada nos momentos iniciais que seguem um trem veloz que chega a uma estação, 'La Bête Humaine' conecta simultaneamente o realismo poético forte que permeia o meio cinematográfico pré-Segunda Guerra Mundial com a onda de filmes noir nos anos 40 e 50. Este filme vê Renoir trabalhando com uma atmosfera de intensidade desacostumada e irregular, toda a melancolia e pessimismo amplificados ainda mais por Curt CouranA cinematografia austera e a onipresente fumaça das locomotivas que nunca parecem se dissipar completamente (o trem costuma ser uma presença sinistra, uma máquina imparável cortando a moldura e invadindo a serenidade pacífica). Apesar do assunto e da iminente nuvem negra que cobrirá grande parte da Europa, Renoir ainda consegue polvilhar a imagem com seu pathos de assinatura, através de personagens como Pecqueux (Julien Carette) que leva a vida como ela é, ou a dança no final, na qual nenhum outro diretor passaria tanto tempo. No entanto, os três personagens trágicos no centro de 'La Bête Humaine' estão condenados desde o início, e todos os três atores (principalmente Gabin, apresentando talvez o melhor desempenho de sua carreira) fazem um trabalho impecável de evocar seus medos e demônios mais íntimos, ajudando assim Renoir a criar outra jóia inesquecível de celulóide.


'As regras do jogo' (1939)

Em 1939, Renoir construiu influência suficiente para fazer o que quisesse e, com a Segunda Guerra Mundial cada vez mais próxima, ele escolheu revisitar o território familiar para seu próximo projeto: relações entre classes, mas explorado de uma maneira drasticamente diferente e mais alegre do que a anterior. cenário. Segurando o espelho das várias ilusões que afligem a sociedade de classe alta, Renoir criou uma tapeçaria incrivelmente enérgica de indivíduos desfeitos, cercados por valores sociais desintegrantes. O filme rapidamente se tornou a produção francesa mais cara de todos os tempos, e foi recebido com críticas contundentes quando foi lançado, especificamente por não fornecer o tipo de fuga que o público francês estava desesperado (ao contrário, o filme criticou diretamente seu caminho). da vida). Foi o filme que levou Renoir para fora da França e para o sistema de Hollywood, que ele foi forçado a reduzir em 85 minutos desconfortavelmente claustrofóbicos, convidando um número recorde de críticas negativas. Não foi até 1956, quando o filme ressurgiu no Festival de Cinema de Veneza em sua forma pretendida, que 'As Regras do Jogo' começou a atrair o tipo de admiração que acabaria por vê-lo crescer em estima, acima de todas as outras fotos de Renoir. Hoje, é frequentemente citado como um dos melhores filmes de todos os tempos (garantido com segurança no top 10 da pesquisa universal da Sight & Sound por décadas) e continua sendo uma pedra angular da sátira social. Como sua peça mais luxuosa, povoada por personagens inesquecíveis como Robert (Marcel Dalio), Christine (Nora Gregor) e Octave (Renoir), e uma sequência tecnicamente deslumbrante de caça a coelhos que introduziu os maravilhosos efeitos da fotografia de foco profundo na produção ocidental de filmes, 'The Rules of the Game'. encarna o que torna a percepção de Renoir da condição humana tão eternamente divertida em 106 minutos.


'O sulista' (1945)

Decepcionado com a recepção de 'The Rules of the Game' e expulso de seu país natal por fascistas, Renoir se mudou para a América e entrou em um período instável em sua carreira. Dos cinco filmes que dirigiu nos anos 40 (entre eles uma adaptação decente de 'ldquo;Diário de uma camareira'O sulista', 'O sulista' contém a ressonância mais emocionante e, em espírito, está mais intimamente ligada à majestade do período abundante de seus 30 anos, talvez porque seja o primeiro filme que Renoir fez em solo americano sem interferência de estúdio. Conta a história da família empobrecida de Tucker; marido Sam (Zachary Scott), esposa Nona (Betty Field), seus dois filhos pequenos e Granny Tucker (Beulah Bondi) Sam é um apanhador de algodão determinado a transformar a vida agrícola de sua família em uma próspera, mas constantemente encontra obstáculos causados ​​pela natureza impiedosa ou vizinhos hostis, e isso não conta o incômodo amargo de sua mãe (as expressões tortas de Bondi são absolutamente inestimáveis ​​aqui. ) A imagem é essencial no cânone de Renoir por ser simultaneamente uma descrição brutalmente honesta de uma vida dura em A Terra das Oportunidades e um reflexo das inclinações artísticas do diretor na época. O quanto a Segunda Guerra Mundial e o veneno do nazismo mudaram o humor artístico de Renoir é mais facilmente percebido em sua representação da natureza (imagina-se que o Barão de 'The Lower Depths' não gostaria tanto de ficar deitado nessa grama ...). Com atuações pungentes de Scott e Field e a câmera de Renoir iluminando a paisagem americana desolada, 'The Southerner' compensa suas pequenas falhas com montes de coração.


'O rio' (1951)

Uma viagem de reconhecimento introduziu a Índia em Renoir, e ele retribuiu o favor apresentando o encantamento do país ao público ocidental. Em um lugar onde 'o rio traz tudo', uma babá indiana adoravelmente supersticiosa (Suprova Mukerjee) supervisiona os filhos de colonos ingleses e três jovens atingem a maioridade na imagem mais peculiar de Renoir, uma adaptação de Rumer GoddenÉ romance. Contada em uma narração tremendamente sugestiva por June Hillman, a história gira em torno do narrador Harriet quando jovem (Patricia Walters), sua amiga americana Valerie (Adrienne Corri) e sua amiga índio-britânica Melanie (Radha), pois suas vidas tranquilas são suavemente agitadas pela chegada do capitão John (Thomas E. Breen) É claro que, sendo esta uma imagem de Renoir, a história completa envolve todos os cantos do quadro e mais ou menos uma dúzia de personagens secundários e secundários de várias esferas da vida. Mais efetivamente, o filme é uma carta de amor cinematográfica para a rica cultura e tradições da Índia, onde cenas retratando o Hindu Festival of Light, uma fileira de trabalhadores carregando juta ou a agitação de um bazar indiano infundem a produção de Renoir com o único elemento até então desaparecido em seu corpo de trabalho; cor maravilhosa, enriquecedora e vivaz. A estrutura estranha, onde as diversões incluem uma história dentro de uma história com um dos personagens do filme e uma montagem hipnótica de dissolve mostrando um punhado de personagens descansando em paz, lembra todos os filmes de Renoir nos quais a trama e a narrativa brotam organicamente, criando uma experiência totalmente cinematográfica e uma meditação serena sobre o amor, a morte e a continuidade de todas as coisas. Famosamente adorado por Martin Scorsese, 'O rio' anunciou o capítulo final da carreira de Renoir e continua sendo o seu trabalho mais visualmente impressionante.

Renoir continuaria trabalhando até o final dos anos 60, embora se possa argumentar que os únicos dois filmes depois de 'The River' digno do 'essencial' rótulo são “;The Golden Coach”; (1953) e “;Francês Cancan”; (1954, que o reuniu com Jean Gabin pela última vez). De qualquer forma, é cegamente claro (para usar uma frase de 'Boudu') que, ao falar sobre qualquer imagem dirigida por Jean Renoir, estamos falando de um dos mestres mais puros do ofício. Um diretor de tal grandeza que mesmo seu filme menos essencial contém nele um mundo inteiro vivo com uma alegria de viver que permanece inigualável até hoje.

Principais Artigos

Categoria

Reveja

Recursos

Notícia

Televisão

Conjunto De Ferramentas

Filme

Festivais

Avaliações

Prêmios

Bilheteria

Entrevistas

Clickables

Listas

Videogames

Podcast

Conteúdo Da Marca

Destaque Da Temporada De Prêmios

Caminhão De Filme

Influenciadores