As 25 melhores cenas de cinema da década

No início desta semana, a IndieWire divulgou nossa lista dos 100 melhores filmes da década.

Como você pode imaginar, selecionar esses filmes dentre os milhares que foram lançados nos últimos 10 anos não foi um processo fácil. Uma infinidade de fatores entrou nas escolhas individuais e coletivas da equipe, mas quando pensamos nos filmes que definiram esta década, nos vimos retornando a momentos individuais como um caminho para o envolvimento com os filmes ao seu redor. Nenhum dos clássicos modernos que entraram em nossa lista pode ser destilado em uma única cena, mas certas passagens deles - como memórias vívidas de lâmpadas de flash ou um farol nos guiando de volta à costa - ainda conseguem capturar perfeitamente a essência de sua cena. poder.



Do Big Bang ao céu de Bryan Adams e de Godard a um strip-tease de posto de gasolina, essas são as 25 melhores cenas de filmes dos últimos 10 anos.

25. 'Força Maior' - The Avalanche

Primeiro, há o estalo da dinamite. Então, o barulho baixo e a agitação da neve se movendo rapidamente da borda da moldura, suficientemente claro para atrair a atenção de uma multidão na hora do almoço, alto o suficiente para inspirar pelo menos um dos pais envolvidos (Lisa Loven Kongsli como Ebba, a pai preocupado, como mais tarde passamos a conhecer) para sentar e prestar atenção. 'Mas é controlado', o marido sempre inquieto (Johannes Kuhnke como Tomas) fala, totalmente despreocupado, toda a sua abordagem da vida e da filosofia emocional reunida em uma leve frase. Ainda assim, está fora de controle e, quando a avalanche corre em direção ao pátio, um verdadeiro terror atinge os jogadores e a platéia, embora ninguém fique mais aterrorizado do que Tomas, que corre rápido e sem olhar para trás. Assim que as coisas ficam difíceis, ele sai de lá, deixando para trás a esposa e os filhos, reservando o mais longe possível, se foi.

É essa cena, tanto humorística quanto genuinamente arrepiante (a neve realmente precisa dominar o quadro por tanto tempo 'allowfullscreen =' true '>

Se você não viu a 'Fênix' de Christian Petzold, sugerimos que você pare de ler agora (e retifique isso imediatamente); o final é bom demais para ser mimado por você aqui.

Agora, para reiterar o que todos nós já sabemos: 'Phoenix' é o tipo de filme que apresenta engenharia reversa transparente de sua cena final - é também o tipo de filme que exige alguns saltos enormes na lógica para chegar lá - mas que não faz o desfecho do melodramático noir pós-guerra de Petzold menos delicioso. Temos que acreditar que Nelly (Nina Hoss) se parece com o seu antigo eu para enganar seu ex-marido desonesto, mas também que a cirurgia plástica que ela recebeu após sobreviver ao Holocausto não era. tão bom que Johnny (Ronald Zehrfeld) pode pensar que ele está manipulando a mulher supostamente morta com quem ele já foi casado. Hoss ’; o desempenho feroz e ferido permite que o filme passe por aquela agulha, mas é como ela puxa a fachada que torna o filme tão memorável.

Em pé na frente de todas as pessoas que ela conheceu em sua vida anterior, Johnny ao piano, Nelly faz uma versão emblemática do padrão 'Speak Low'. Sua voz treme com a dor de um trauma passado. E então ela deixa a sala em silêncio, expondo um pequeno pedaço de pele em seu braço. A foto de encerramento dela deixando a multidão chocada e saindo de foco é um dos momentos mais puramente satisfatórios do cinema moderno, uma tempestade perfeita de justiça moral, vingança morna e clareza emocional devastadora. —DE

23. “Era uma vez na Anatólia” - The Apple

O procedimento policial de Nuri Bilge Ceylan (que, em um prelúdio de sua Palme d'Or - ganhadora de 'Winter Sleep' - levou para casa o Granx Prix de Cannes) contém muitos momentos de prisão, nenhum tão memorável quanto uma cena de um filme. maçã rolando morro abaixo e entrando em um riacho A fotografia do CinemaScope de Gökhan Tiryaki torna impossível evitar esse ato completamente simples, em parte porque o tom sombrio do filme sugere que ele pode preceder algo horrível e em parte porque é simplesmente uma bela foto. Existem algumas outras maçãs no local em que a que estamos assistindo pára, apenas estas já começaram a se decompor na água. Que significado - se houver - você atribui a isso depende de você, mas o momento é inesquecível por si só. —MN

22. “Um pombo sentado em um galho refletindo sobre a existência” - Karl XII

O fato é que poderíamos ter preenchido toda a lista com cenas da trilogia auto-descrita de Roy Andersson sobre ser um ser humano. Todas as cenas em 'Songs from the Second Floor', 'rdquo; 'Você, os vivos', e 'Um pombo sentado em um galho refletindo sobre a existência' são maravilhas da imaginação mórbida em quadrinhos. Andersson filma cada uma das vinhetas isoladas que compõem esses filmes em uma tomada ininterrupta, sua câmera estática (ou compreensivelmente chocada) dando toda a atenção a esses droll tableaux de desespero.

Dito isto, a incrível peça central do filme mais recente de Andersson merece reconhecimento especial, mesmo que seja por causa de sua escala incompreensível, e pelo grande número de extras (humanos e cavalos) necessários para fazê-lo. O que começa como um momento benigno dentro de um restaurante lentamente dá lugar a uma inquietação geral quando o exército massacrado do rei Carlos XII entra em cena, os homens voltando para casa após o massacre na Batalha de Poltava. Fantasmas distantes do século XVIII, seu espírito acaba por tocar no mundo moderno, o jovem e sanguinário soberano galopando das páginas da história e entrando no restaurante. Correndo por quase 20 minutos, a cena é uma ilustração cristalina de como a abordagem de assinatura de Andersson lhe permite achatar o tempo em um contínuo interminável de derrota - é um show de longa duração em um filme que não consiste em nada mas demorando muito para mostrar. —DE

21. “O cheiro dela” - céu

Alex Ross Perry nunca foi um cineasta interessado em questões de caráter 'simpatia'; em vez disso, optou por explorar um rico campo minado de misantropos que não estão preocupados em sair do outro lado de seus pequenos dramas como 'pessoas melhores'. ou 'alguém que evoluiu'. A principal exceção: Elisabeth Moss ’; o destrutivo punk rockeiro Becky Something, na mais recente música de Perry, 'Her Smell'. Enquanto o filme acompanha Becky principalmente através das dragas moribundas de uma vida vivida no limite (e muito longe disso), ele acaba se desenvolvendo na mais inesperada das reviravoltas de Perry: uma chance de redenção.

Depois de explodir sua vida (e explodir todo mundo nela), 'Her Smell' retoma depois que Becky passou por algum tipo de reabilitação, embora sua vida não esteja curada. No meio de uma reunião conturbada com seu bebê, seu ex (Dan Stevens) e sua ex-colega de banda Marielle Hell (Agyness Deyn), Becky se volta para a única coisa que pode curá-la: música. Oprimido, deprimido e de modo algum acreditando no poder redentor de tanto faz, ela produz uma versão extenuante de Bryan Adams ’; 'Céu', uma canção de amor que assume uma ressonância arrepiante quando filtrada por Becky. 'Estou achando difícil acreditar / Estamos no céu', ela canta e, por apenas um minuto, o inferno é mantido à distância. —KE

20. “Guerra nas Estrelas: Os Últimos Jedi” - Projetando Esperança na Galáxia

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Em Abderrahmane Sissako 's' Timbuktu, 'rdquo; um reino jihadista de terror proíbe o povo local de apreciar música, fumar cigarros e até jogar futebol. Em uma das cenas mais impressionantes do filme, um grupo de jovens garotos do Mali - alguns vestindo camisetas coloridas, outros com sapatos apropriados, outros sem sapatos - criam um campo de futebol improvisado e jogam uma partida desesperada com uma camisa invisível. bola que as crianças acompanham com os olhos a ponto de quase começar a parecer uma dimensão física.

Sem a presença de uma bola real, no entanto, a sequência se organiza em torno de puro movimento, em vez de um objetivo claro, menos um jogo divertido do que uma dança elegíaca. Enquanto isso, através dessa vista invadida do deserto, os jihadistas cruzam o campo imaginário em motocicletas e lembram as crianças de sua presença ameaçadora. Ao fazer isso, eles também esclarecem que o futebol invisível - uma sessão espírita de um tempo mais inocente - é um ato corajoso de resistência que cristaliza como a população de Timbuktu tenta suportar o horror que lhes está sendo visitado. É um momento profundamente bonito e surpreendentemente trágico, e que simboliza a terna imaginação que Sissako traz para todo o filme. -PARA

18. 'Her' - sexo por telefone

Em retrospecto, não havia outro caminho: no Spike Jonze, o mundo futurista, mas plausível, de 'Her', ela um homem se apaixona por um programa de computador, que contrata uma profissional do sexo para se fazer passar por uma rodada de ação corpo a corpo no mundo real. É emocionante que Samantha (Scarlett Johansson) pense em tal idéia, e ainda mais doce que Theodore (Joaquin Phoenix) só aceite a idéia porque ele sabe que a fará feliz, mas nunca funcionará.

Apesar da adição de uma atriz empática e enérgica (Portia Doubleday) à 'peça de teatro' Samantha, auxiliada por um fone de ouvido que lhe diz o que fazer e que fala diretamente com Theodore na voz distinta de Johansson, a cena apresenta um desastre desde o início. No momento em que a Isabella da Doubleday começa a imitar Samantha, acabou. Sabemos - e Theodore certamente sabe - que Samantha não é 'real'. e Isabelle não é ela, mas a crescente sensação de quão errada essa farsa só cresce a cada minuto que causa indignação. Quando Theodore rejeita Isabella, o mais consideravelmente possível, e Isabella traz com seus próprios comentários sobre o quão especial é o amor de Samantha e Theodore, foi criada uma fenda que só se espalhará mais. Neste momento, no entanto, está consumindo seu terror e mágoa, quando três personagens muito diferentes desmoronam ao perceber os verdadeiros limites da vida (e do amor). —KE

17. “Como alguém apaixonado” - um correio de voz da vovó

Um dos últimos filmes de Abbas Kiarostami antes de sua morte em 2016 enviou a lenda do cinema iraniano para Tóquio, onde ele dirigiu seus atores através de um tradutor. Segue-se um jovem profissional do sexo chamado Akiko (Rin Takanashi), que é enviado para um professor idoso que parece totalmente desinteressado em sexo. O trabalho é uma tarefa de última hora e, para terminar, Akiko deve levantar a avó para jantar. Sentado no banco de trás de um táxi, vemos Akiko ouvindo mensagens de voz de sua avó, cuja alegre expectativa lentamente se transforma em preocupação e confusão com sete mensagens contundentes. É uma das cenas mais difíceis de suportar na memória recente, e sem sangue ou violência à vista. As mensagens parecem ser intermináveis, cada uma mais dolorosa que a anterior. A cena é tão importante que Kiarostami compartilha o crédito da escrita com Mohammad Rahmani, que é simplesmente listado como 'colaborador de roteiro': as mensagens da avó. —JD

16. 'Mãe' - a dança feliz

Não há outro pai cinematográfico na memória recente que mereça a chance de literalmente espantar suas preocupações e dançar como se ninguém estivesse assistindo em uma viagem de ônibus dedicada a agradecer aos pais por todo o seu amor e apoio, mas Kim Hye-ja é homônima A mãe não ganhou esse direito da maneira mais fácil. Faz sentido que o drama de Bong Joon-ho 'Mãe' rdquo; é nomeado para o personagem sem nome de Kim, porque ser mãe é sua identidade mais profunda e verdadeira.

É também aquele que a leva a alguns fins terríveis, como matar o homem que pode implicar seu filho problemático Yoon Do-joon (Won Bin) no hediondo assassinato que guia a narrativa do filme. Enquanto mamãe já teve que concordar com a verdade do crime (e cometeu seu próprio assassinato no processo de encobri-lo), na cena final do filme de Bong, ela é forçada a realmente reconhecer com quem ela tornou-se (e quem ela criou). Como um vago Do-joon se despede de sua mãe quando ela sai para um 'Obrigado Pais' no ônibus, ele a entrega um kit de acupuntura queimado que ela deixou no local de seu próprio assassinato, um lembrete assustador do que ela fez e de como ela não é mais capaz de controlar o que seu filho faz ou diz (ou era ela sempre é capaz de 'allowfullscreen =' true '>

A coisa mais notável sobre o emocionante drama de Robin Campillo é que ele consegue encontrar uma alegria desafiadora entre os escombros da crise da Aids. Dramatizadas com o naturalismo crepitante de Campillo e seu grupo de atores, as reuniões do ACT UP Paris pulsam com uma energia frenética que esconde a tragédia que espera do lado de fora de suas portas. Destas cenas de grupo criadas com maestria, surge um terno romance entre o novato tranquilo Nathan (Arnaud Valois) e o animado Sean (Nahuel Pérez Biscayart), que é HIV positivo. O relacionamento deles fornece a segunda explosão de energia do filme e um ponto focal para as reuniões e ações introdutórias.

Na cena mais marcante do filme, Nathan visita Sean no hospital antes de levá-lo para casa para morrer. O espírito infatigável de Sean finalmente enfraquecendo, Nathan faz o que qualquer bom amante faria. Iluminado em silhueta, vemos o corpo saudável de Nathan enrolado sobre o corpo de Sean, enquanto ele o acaricia até um orgasmo final em sua cama de hospital. É ao mesmo tempo terno, doloroso e bonito; uma prova de um espírito humano que pode encontrar alegria mesmo quando o mundo está desmoronando. —JD

14. 'Menina' - diamantes

No centro do filme de Céline Sciamma, há um grupo de jovens afro-francesas de força de vontade que vivem em um subúrbio pobre de Paris. O grupo unido se apoia em um mundo em que está cercado por violência de gangues, misoginia, familiares abusivos e drogas. Juntos, eles formam uma equipe formidável que não será empurrada, mas o que lhes falta é um espaço (até um quarto) para deixar ir e ser eles mesmos. Depois de roubar algum dinheiro e vestidos, a equipe aluga um quarto de hotel onde eles organizam sua própria festa de formatura para si mesmos. Quando Rihanna s 'Diamonds' rdquo; as peças tocam em sincronia labial e dançam - deixando para trás os problemas e as pressões do mundo exterior - e, na bela luz azul em tons de azul do cineasta Cystel Fournier, vemos que brilham como 'rdquo; os diamantes estão embaixo dos exteriores duros que foram forçados a usar. É um momento que ressoa ainda mais depois que os eventos que se seguem a essa cena obrigam alguns deles a se dobrarem e se tornarem algo a que sempre resistiram. CO

13. “Magic Mike XXL” - Fazendo-a Sorrir

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A primeira parte de 'Burning' rdquo; é exibido como um filme natural e satisfatório. O diretor e roteirista Lee Chang-dong explora a formação de um triângulo amoroso bizarro, como dois jovens - um pobre e desajeitado (Yoo Ah-in como Lee Jong-su), o outro misterioso e encantador (Steven Yeun como o Ben americanizado) - parecem competir pela mesma mulher de espírito livre (Jeon Jong-seo como Hae-mi). A estranha dinâmica de grupo atinge seu auge quando Ben e Hae-mi chegam à fazenda em ruínas de Jong-su, com vista para o DMZ, para fumar maconha e assistir o pôr do sol, enquanto Miles Davis. mexendo & générique ”; explosões do Porsche de Ben. De repente, como se estivesse possuída por seu próprio fantasma, Hae-mi decide tirar a blusa e dançar contra o céu azul-alaranjado. O tempo para. A classe se dissolve. As identidades nacionais se confundem e se sobrepõem ao longo da fronteira próxima. O universo está desestabilizado.

Ausente do conto original de Haruki Murakami, a cena é um momento de pura criação cinematográfica - um devaneio hipnótico que lança um feitiço fascinante sobre o resto do filme. À medida que o sol se põe, uma profunda escuridão entra em foco. Nada é diferente, mas tudo mudou. No passado, alguns rejeitaram Lee como um roteirista talentoso que por acaso dirige seu próprio trabalho. Após o ponto de virada em 'Burning', rdquo; é seguro dizer que isso não vai acontecer novamente. CO

11. 'Saia' - o lugar afundado

Por si só, nem uma xícara de chá, nem uma colher, nem Catherine Keener são assustadoras. Juntos, Jordan Peele os transformou em um pesadelo literal. É uma sequência que elevou a Peele 'Get Out' no melhor filme de terror da década e galvanizou seus comentários sobre o racismo nos Estados Unidos, quando o Sunken Place rapidamente se tornou uma abreviação contemporânea afiada para pessoas negras serem coagidas a negar sua própria humanidade.

'O lugar afundado significa que somos marginalizados'; Peele explicou. 'Não importa o quanto gritemos, o sistema ainda nos silencia.' E assim acontece no momento mais marcante de seu longa-metragem, como Chris (Daniel Kaluuya) é hipnotizado pela mãe de sua namorada (Catherine Kenner), e atraído para reviver uma memória trágica. Ela o obriga a revelar sua alma e, em seguida, retira a alma de seu corpo com a facilidade de alguém que já fez isso mil vezes. A tensão entre os dois atores aqui é intensa e palpável, pois Kaluuya discute a diferença entre trauma antigo e nova tortura, enquanto Keener responde a ele com uma reserva gelada. É uma cena imensamente tensa, destinada a ser analisada nas salas de aula da faculdade e lembrada como um ponto de inflamação emblemático de sua época. -PARA

10. “Sob a pele” - o bebê na praia

Jonathan Glazer passa a maior parte da primeira hora de “Under the Skin” simplesmente observando seu personagem principal, uma fêmea alienígena perambulando por Glasgow para encontrar homens que ela pode seduzir de volta ao vazio e colher para seu planeta natal. Seu desapego - sua abjeta falta de humanidade - é tão completo que assume uma força narrativa própria. Nenhum momento é mais arrepiante por sua falta de empatia do que a sequência na qual o alienígena (Scarlett Johansson) testemunha uma tragédia enquanto caminha pela praia. Dois pais estão se afogando nas águas agitadas do oceano, enquanto o bebê fica sozinho na praia e chora. Um nadador tenta salvar o casal, mas quando ele lava a terra, o alienígena bate na cabeça dele com uma pedra. Ela sai com o corpo do nadador, enquanto o bebê - agora quase certamente órfão - senta-se na areia enquanto a maré cresce cada vez mais perto.

A realidade gelada da narrativa de Glazer diz ao espectador tudo o que eles precisam saber sobre a visão alienígena da humanidade. Glazer mantém sua câmera objetiva, optando por fotos emocionalmente removidas que exageram o espaço entre o personagem e o espectador, para que sejamos compelidos a internalizar a apatia dura por diamantes do alienígena. Tão dominante quanto a partitura de Mica Levi pode estar no filme, o diretor Glazer a silencia aqui, e decide aumentar a tensão através do ruído diegético do ambiente. As imagens distantes e os sons esmagadores das ondas quebrando na praia criam uma expressão singularmente cinematográfica da vida sem sentido. gordos de polioxietileno

9. 'Moonlight' - 'Você é o único homem que já me tocou'

Embora esteja situado dentro e ao redor de Miami, 'Moonlight' ocorre em grande parte dentro dos limites da mente de seu jovem protagonista. O filme começa acompanhando o pequeno adolescente Chiron (Alex Hibbert) em seus dias mais tímidos, quando os valentões do pátio da escola o apelidam de 'Pequeno'. Em seu segundo capítulo, Quíron é um adolescente alienado (Ashton Sanders); no final dos dias de hoje, ele passou por uma dramática transição para a idade adulta jovem e ganhou o apelido de 'Black'. (Trevante Rhodes). Mas ele ainda não descobriu como expressar seus sentimentos mais profundos, e é aí que reside a maior fonte de intrigas do filme. O diretor Barry Jenkins e seu elenco extraordinário geram um poderoso suspense sobre questões de quando e como o personagem reprimido pode encontrar libertação emocional. Tudo se resume àqueles momentos finais, quando Quíron - agora se identifica como 'Negro', e se escondendo embaixo de uma personalidade bandida repleta de grades brilhantes - rastreia Kevin (agora interpretado por um encantador André Holland), que está sofrendo sua própria idade adulta isolada.

No clímax em movimento, o filme brinca com o romantismo, enquanto Quíron procura a única aparência de companhia ainda disponível para ele através da neblina do tempo. Tendo experimentado um vínculo sexual fugaz, eras atrás, o casal reacende um pouco de companheirismo ao lidar com um mundo melancólico que existe fora do tempo. O filme os deixa em um estado ambíguo, mas pelo menos por enquanto, eles têm um ao outro. —EK

8. “A Árvore da Vida” - O Nascimento do Universo

Provavelmente era inevitável que a sequência mais ambiciosa e visualmente deslumbrante deste lado de '2001' - no qual testemunhamos literalmente o nascimento do cosmos, como previsto por Terrence Malick, o raro cineasta para quem a palavra 'visionário' é um eufemismo - incluiria dinossauros. No momento, porém, foi uma surpresa emocionante. O que precede essas criaturas pré-históricas é igualmente impressionante: fotos de nebulosas, estrelas e outro espaço são tão vivas que você terá dificuldade em acreditar que não foi filmado pela NASA. “; Senhor, você sabia 'allowfullscreen =' true '>

Através da narração de voz que se passa em 'O Lobo de Wall Street', de Martin Scorsese, o criminoso de colarinho branco e entusiasta de Quaalude, Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio) atesta o apelo liberado pelo sedativo: ele nos fala sobre a fase do formigamento , ”; 'a fase de calúnia', 'a fase da baba', e 'a fase da amnésia'. Mas durante a viagem com o pior tempo possível - que se desdobra em uma gloriosa sequência de 10 minutos - Belfort descobre um quinto passo inconveniente e até então desconhecido: 'a fase da paralisia cerebral'.

Disse que ele jogou com sucesso US $ 20 milhões em dinheiro manipulado no mercado de ações em uma conta bancária intocável na Suíça, Belfort e seu vizinho / co-conspirador, Donnie (Jonah Hill), acariciam três Lemmon 714 Quaaludes vencidos e ilegais. Quando um investigador particular toca, exigindo que Belfort chegue ao telefone público mais próximo o mais humanamente possível, nosso herói leva seu Lamborghini branco para o clube do campo na estrada, sem saber da marreta induzida por drogas que está prestes a esmagá-lo. Durante a curta ligação, Belfort descobre que suas linhas telefônicas pessoais foram tocadas e - graças aos Lemmons - perde toda a lucidez (e a capacidade de permanecer em pé).

Belfort se arrasta por um lance de escada, abre a porta do canivete do carro com o pé e, de alguma forma, volta para casa. Em sua casa, ele encontra Donnie no telefone, murmurando milhões. Os homens de melaço lutam no chão da cozinha, até que um deve reviver o outro com boca a boca. DiCaprio sempre foi considerado um grande ator - ele e Hill ganharam indicações ao Oscar de 'O Lobo de Wall Street'. - no entanto, ele não era exatamente conhecido pela comédia física por volta de 2013. A confiança mútua de colaborar com o diretor Martin Scorsese pela quinta vez em nove anos permitiu essa maravilha de digressão, um choque de mente contra corpo com uma explicação juvenil e consequências do tribunal. —JM

6. 'Carol' - um breve encontro

Reservado por um dispositivo de enquadramento que o roteirista Phyllis Nagy emprestou (e afiou) a David Lean - Brief Encounter, - rdquo; “; Carol ”; abre em uma cena de duas mulheres sendo interrompidas por um cara enquanto elas alcançam uma xícara de chá. A ternura ferida entre eles é palpável, mesmo à distância; é difícil perder o jeito que Carol (Cate Blanchett) segura o ombro de Therese (Rooney Mara) quando ela sai, ou o jeito que Therese ainda sente o toque de Carol mesmo depois que sua mão se foi. Está claro que estamos examinando os escombros de um rompimento, mas o táxi manchado de lágrimas a seguir sugere que Therese sofreu a maior parte dos danos colaterais. Voltando ao mesmo momento, duas horas depois, recém-privilegiado em reconhecer a separação pelo que realmente é, a mudança de perspectiva em si é suficiente para derrubar o vento de você.

A dinâmica do poder caiu 180 graus - Carol está implorando para Therese levá-la de volta, para perceber o potencial tácito de sua vida juntos. Chegamos à conversa alguns minutos antes do que inicialmente, a intensidade emocional da cena aumentada pelo esquecimento que a cerca. É insuportavelmente cru, já que o diretor Todd Haynes retira uma nova camada de pele a cada linha (e cada olhar). Não há como sobreviver como Carol pede furtivamente a Therese que vá morar com ela - colocando tudo em risco - e depois muda de assunto como se fosse apenas um pensamento passageiro. 'Bem, é isso.' E então - em um momento de crueldade sem paralelo, misericordiosamente redimido pelo final feliz alguns minutos depois - que a droga aparece desde o início. É difícil pensar em outra cena nos filmes que nos priva tanto, ou nos deixa tão desesperados para recuperá-lo. —DE

5. 'Mad Max: Fury Road' - A fuga da cidade de gás

Tudo em George Miller está despertando 'Mad Max'. a reinicialização está em movimento. Os carros passam de uma direção para a outra através de um terreno árido que se torna a desculpa final para experimentar a forma de filme. Qualquer sequência dada ilustra o comando absoluto do meio que Miller exerce ao se basear na tradição do cinema mudo para manter a perseguição constante em um estado de momento emocionante. Mas esse boato de cinco minutos é especialmente fascinante para o modo como cada tiro acelera para o próximo, enquanto Furiosa de cara séria avança enquanto os War Boys demente seguem seu conto. Um mar de carros queima no deserto vago, enquanto a estrela ostensiva Tom Hardy basicamente apenas assiste junto com o resto de nós, amarrada a um dos carros dos War Boys como um ornamento de capô e espantada com o caos que o envolve. É um confronto áspero e impetuoso, coberto de poeira e ganha velocidade quando você pensa que está diminuindo. Miller está no comando de cada momento. —AT

4. “O ato de matar” - Anwar tosse com sua alma

Esse documentário vencedor do prêmio BAFTA, indicado ao Oscar, foi uma das experiências de exibição mais angustiantes da memória recente, não apenas porque contou o genocídio indonésio da metade dos anos 60 que em meros meses matou pelo menos 500.000 supostos simpatizantes comunistas. Ex-líderes de esquadrões da morte foram convidados a reencenar seus assassinatos em massa como exemplos de gênero; alguns se divertiram ao fazer musicais e ocidentais de cenas brutais em suas histórias pessoais e nacionais. Anwar Congo - que vendeu ingressos de cinema no mercado negro antes de cometer e estimou 1.000 execuções, pelas quais ele ainda é reverenciado em grande parte do país - até dançou em um telhado que ele havia embebido no sangue de outras pessoas, rindo do experimento uso de drogas que o ajudou a rejeitar memórias desagradáveis.

Depois de quase três horas de filmagens, o público finalmente viu o nojo não filtrado do Congo. Quando solicitado a retratar uma vítima, Congo se pergunta (no texto legendado) se ele é um pecador e começa a chorar e sufocar as náuseas. Executivo produzido por Werner Herzog e Errol Morris, o filme tinha três diretores - Joshua Oppenheimer, Christine Cynn e uma indonésia sem nome, ainda temendo retribuição política ligada a atrocidades de gerações anteriores. —JM

3. 'O Mestre' - Processando Freddie Quell

'The Master', de Paul Thomas Anderson, é um filme estranho e transparente que avança em busca de um significado que seus personagens lutam para definir, e é capaz de fazer isso por causa da força com que a narrativa é impulsionada pelos quase sete minutos de duração. cena em que o aspirante a líder de culto Lancaster Dodd (um ersatz L. Ron Hubbard interpretado por Philip Seymour Hoffman) interroga pela primeira vez Freddie Quell (Joaquin Phoenix), um canalha bêbado que se escondeu a bordo de seu barco. Dodd chama isso de 'processamento', mas é realmente mais como uma confissão forçada projetada para desmembrar as pessoas, para que ele possa aceitá-las com seus ensinamentos pseudocientíficos. Como você quiser chamá-lo, a cena equivale a três dos maiores artistas de cinema da década, sentados em uma sala e prendendo nossa atenção.

Girando para longe da varredura e grandeza de 'Haverá Sangue', Anderson bloqueia seus dois personagens em uma série de close-ups apertados que amplificam a intensidade claustrofóbica do momento em questão, e dão peso à asfixia de Freddie. O cineasta não se impressiona com seu estilo de diretor aqui, ao invés disso, opta por um padrão de edição tradicional por cima do ombro / foto reversa. A genialidade da cena reside em como ela privilegia o ouvinte sobre o falante; isso não é uma conversa, é uma invasão.

A câmera focaliza o rosto de Lancaster enquanto ele percorre a psique de Freddie, todos os gestos faciais de Hoffman revelando uma mistura de curiosidade e excitação, como uma chave sendo introduzida na fechadura que foi feita para abrir. Lancaster está com fome e Freddie está alimentando sua alma diretamente do corpo. É um momento de pura simbiose, pois esses dois homens percebem simultaneamente o quanto precisam um do outro; é o encontro fofo da década. gordos de polioxietileno

2. “Adeus à linguagem” - Godard reinventa o 3D

Às vezes, é preciso um velho para nos lembrar que o cinema ainda está na infância, um meio que está apenas aprendendo a andar. E graças a Deus (ard) por isso - não há nada mais revelador ou revigorante do que assistir aos filmes dar um novo passo em frente (ou pelo menos um ousado passo de lado). Isso não acontece com frequência, mas você sabe quando a vê. A multidão na estréia de Cannes 'Goodbye to Language' rdquo; o reconheceu em massa, o cavernoso Grand Théatre Lumière soltando aplausos espontâneos quando Godard violou o princípio básico do 3D estereoscópico projetando uma imagem diferente em cada olho, fazendo uma engenharia reversa de sua abordagem dialética de volta aos seus componentes individuais.

Um casal nu discute em sua casa. Feche o olho direito e você terá a área pubiana exposta da mulher. Feche o olho esquerdo e você verá o pênis flácido de um homem. Abra os dois e você terá uma expressão simbólica do sexo. É montagem sem montagem, expressão cinematográfica familiar transformada através da gramática radical pelo maior etimologista do médium. Infelizmente, não há um clipe dessa cena online. Mas, novamente, como isso funcionaria 'allowfullscreen =' true '>

Llewyn Davis (Oscar Isaac) não está em um ótimo lugar, embora possa não ser exato dizer que ele já viu dias melhores. Lamentando a perda de seu parceiro musical, ressentindo-se do fracasso comercial de seu álbum e fervilhando por um mundo amargo que parece ter queimado seu calor, o cantor folclórico atrapalhado pega carona até Chicago para fazer uma audição de última hora para um tipo de indústria chamado Bud Grossman (um imaculado F. Murray Abraham). Apontando para o recorde de Llewyn, Grossman pede que ele toque algo do “;Dentro Llewyn Davis. ”; Ele não conhece a força bruta do que acabou de solicitar e parte do gênio da cena é que ele não se importa.

filmes de viagem no tempo 2016

Sentado no meio de uma boate vazia, Llewyn começa a dedilhar-se em 'A Morte da Rainha Jane'. enchendo a antiga balada inglesa com toda a beleza que ele parece não encontrar em sua vida. A performance de Isaac é genuinamente emocionante, especial mesmo em um filme em que o ator nos esmaga com uma nova música a cada 20 minutos. Mas o que destaca essa cena em particular não é a sua graça sobrenatural, mas o quanto mais desesperada e merecedora essa graça se torna cada vez que Llewyn olha para o homem com cara de pedra sentado à sua frente, verificando se ele está certo. absorvendo tudo. No momento em que a música termina, praticamente não há dúvida em nossa mente que a versão de Llewyn ressoará dentro de todos que a ouvirem. É difícil imaginar que Grossman não gostaria disso, mesmo que soubéssemos que esse não é esse tipo de filme. Mas, da maneira como Llewyn olha para o gerente, seu rosto já pesado com a dor que vem a seguir, é claro que ele sabe exatamente que tipo de filme os irmãos Coen fizeram para ele. 'Eu não vejo muito dinheiro aqui', ele disse, e a verdade é que Grossman provavelmente está certo. Infelizmente para Llewyn, você simplesmente não pode colocar um preço em algo assim. —DE

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