5 dicas do diretor de fotografia mestre Gordon Willis

Recentemente, descobrimos o Craft Truck, um recurso maravilhoso para obter informações dos bastidores sobre o cinema. Jeff, no Craft Truck, entrevistou o diretor de fotografia Gordon Willis, que trabalhou com Woody Allen, Francis Ford Coppola, Alan J. Pakula e outros grandes diretores. O Craft Truck nos deu permissão para republicá-lo aqui. Você pode ler as dicas de Willis abaixo e ler o obituário aqui.



1. Corte o hipérbole.

Antes do início da entrevista, Gordon disse: 'Nosso trabalho não é recriar a realidade, nosso trabalho é representar a realidade'.

Ele estava dizendo que não importa como você o corta, a fotografia é arte. Não existe uma hierarquia de realismo porque isso nem existe. A questão é como você usa as ferramentas disponíveis para contar uma história?

Parece bastante básico, mas ele nunca usou a palavra 'naturalismo'. Nem uma vez. Mais tarde, ele declarou: 'Eu só penso no …. Como eu quero que pareça.'

Ele também usou muito 'bom' e 'ruim' para descrever as coisas. Ele não usa palavras que não significam nada. Ele não fala sobre seu trabalho de maneiras que não são simples. E foi assim que ele trabalhou.

Embora a idéia mais complicada possa estar sendo expressa, foi e é a abordagem de Willis discutir escolhas e fotografia da maneira mais clara possível.

Embora existam diferentes maneiras de trabalhar, uma ótima abordagem é reduzir a hipérbole. Seja direto e direto ao descobrir o que você está fazendo e como vai fazê-lo. Parece simples, mas é mais difícil do que parece.

2. Atire para cortar.

Rapidamente em minha conversa com ele, percebi que Gordon estava falando sobre como as filmagens se relacionam com o corte. E nesse ponto ele basicamente disse que cortar era tudo. Ele não atira para ter um close, uma largura ou algo bem iluminado. Ele atira para contar a história.

Isso importa tanto em termos de como algo é retransmitido para uma audiência - uma cena, por exemplo -, quanto em como se transfere entre cenas, lugares ou momentos. Ele relatou seus sentimentos em filmes em preto e branco dos anos 30 e 40.

Você terá duas pessoas conversando ou brigando, e elas terão uma chance de duas. (Boom, ele gesticula o tiro, um direto em dois tiros). Toca muito bem. Então, por que você cortaria?

Ele estava expressando o que fez tão bem em tantos filmes. SIM, sua iluminação era incrível, mas ele se concentrou primeiro no que seria uma cena para revelar as informações da história passo a passo. O olhar veio a seguir. E provavelmente, muito, muito abaixo da linha é “O que seria um tiro legal?” Eu duvido muito que esse fosse o foco dele, se é que alguma vez. Se um tiro legal aconteceu, aconteceu no contexto do que ele estava fazendo - atirando para cortar.

Ele tinha o 'visual' do filme em sua cabeça? Certo. Mas antes disso veio a idéia do que era o tiro anterior e o que era o tiro seguinte. Em outras palavras, o que corta.

Nota: esta não é uma sugestão para os diretores ou fotógrafos fotografarem de tal maneira que um editor não possa elipticamente encurtar, prolongar ou alterar uma cena. Deus não permita. Muitas pessoas não têm o instinto exato que Gordon tem, obviamente. Mas o argumento dele pode ser internalizado e aplicado com muito mais frequência do que você imagina. Às vezes, você pode fazer uma cena em um '1', se tiver certeza de que vai funcionar no filme final.

3. Bloquear é cortar.

No palco, bloquear é o movimento e o posicionamento dos atores entre si. No filme, o bloqueio é tudo isso, mais onde a câmera está, o que faz e qual lente é usada. Isso significa que o bloqueio de filmes é pelo menos três vezes mais complicado. Por fim, esse foi o aspecto mais importante de como executar a filmagem de uma cena para Gordon. Certamente, era mais importante que a iluminação. E, em muitos casos, provavelmente facilita muito a iluminação.

Ao focar em como a história precisa ser contada (ou seja, o que você vê e quando vê), ela permite que o fotógrafo e o diretor coreografem primeiro e depois pensem em como esses momentos coreografados serão reunidos.

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Aqui está um pequeno clipe de Gordon sobre a relação de direção e corte:

Parece óbvio, mas geralmente é jogado fora com o lixo quando as pessoas entram no set. Depois, vem a “necessidade do close-up, precisa do longo prazo, consiga isso e entenda”. As regras básicas são esquecidas. Muitos dos melhores momentos de Woody Allen vieram não apenas de como foram escritos ou interpretados, mas de como foram reproduzidos na frente da câmera. Isso permitiu velocidade, economia e simplicidade na narrativa. Inúmeros exemplos de 'Annie Hall', 'Manhattan', 'Stardust Memories' etc. etc. O Sr. Willis foi fundamental nisso.



Concentrando-se no bloqueio e em como os atores podem se mover para dentro e fora do quadro, ou como a câmera pode esperar para segui-los, levou a descobrir o que funcionava bem e depois como conectar os pontos de uma cena à outra.

Pensamento básico com resultados muito, muito articulados e refinados.

4. A iluminação não deve ser conduzida pela insegurança.

Eu gostaria de fazer disso um 'dever', mas no final do dia, é mais fácil resumir o que Gordon sentiu sobre esse assunto de forma negativa. Porque é isso que acontece 90% das vezes. Os fotógrafos costumam iluminar-se para fazer as coisas parecerem “uau”, em vez de primeiro bloquear a cena, usando a câmera, o espaço e os atores, e depois (e só então) envolvendo luzes e fazendo as coisas brilharem.

Embora a iluminação nunca seja 'fácil', pode ser muito simples se você estiver operando a partir de um ponto de segurança no que está fazendo. A maioria das pessoas não está operando por insegurança. O mesmo gene que quer complicar demais uma história é o mesmo gene que quer exagerar na iluminação. E simplesmente isso é besteira e não ajuda em nada.

Todo mundo se lembra da iluminação de Brando em 'O Poderoso Chefão', que ele simplesmente afirma ter sido motivada parcialmente pela maquiagem de Brando e parcialmente porque ele queria abrir o filme nesse cenário parecido com uma caverna, justaposto ao casamento lá fora.

Pense na sequência do planetário em 'Manhattan'. Pense na caminhada e nas palestras em 'Stardust Memories'. Sem luzes. Quase nunca com exteriores de dia largo para ele. Eles estão lindos porque estão certos quanto à história da época.

SIM Gordon estava ciente de como o filme “deveria parecer”, mas isso foi mais baseado em um instinto geral e consistência de sentimentos com os quais ele abordou um determinado projeto. Ele estava muito seguro em suas escolhas e livre para explorar a simplicidade, se isso significa muitas luzes, poucas luzes, uma luz ou nenhuma luz. Essa é a questão.

5. Tenha um motivo para suas decisões

A única coisa que une tudo é que todas as opções foram baseadas em uma razão sólida. Gordon costumava usar uma lente de 40 mm. Por quê? Porque parecia certo para ele e porque ele sentia que a perspectiva da lente o permitia - sim, e por extensão a platéia - para ver o que estava acontecendo de uma maneira razoável.

Ele também disse que vê o mundo aproximadamente da sua própria altura. Claro que houve outras ocasiões em que ele usou outras lentes ou outras alturas para disparar, mas foi porque a cena, o bloqueio, o corte exigiam.

Para simplificar seu espaço de trabalho, ele se apegou a ferramentas confortáveis ​​e intuitivas e depois trabalhou a partir daí. Ele precisava de um motivo para fazer ângulo alto, ângulo baixo, largura, comprimento, etc. Na maioria das vezes, as escolhas são feitas pelo desejo de melhorar o estilo, em vez de realmente olhar para a sequência, descobrindo a melhor maneira de dizer e executando com simplicidade.

Portanto, embora seja bom fazer algo sofisticado, deve haver uma razão para isso. Na cena aérea da Biblioteca do Congresso, em “Todos os homens do presidente”, a primeira reação de Gordon à cena foi: “Como mostramos a ideia de uma agulha em um palheiro?” Então saiu o guincho, a plataforma e tudo o mais. com isso. E o tiro é impressionante. Mas você não faz isso, a menos que seja necessário, e naturalmente se surpreendeu com os princípios básicos.

Se você tem um motivo realista e honesto do motivo pelo qual deseja que seu filme pareça de certa maneira; uma razão pela qual uma cena deve ser cortada de uma certa maneira; por que deve ser encenado e iluminado da maneira que você deseja; e, por que ela precisa ser a paleta de cores com a qual você está tocando, você tem uma chance maior de sair do caminho da história em vez de sufocá-la em um estilo que não ajuda ninguém.

Visite o caminhão de artesanato. Assista à entrevista em vídeo completa aqui e ouça o podcast não editado.



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