O Essencial: Os 10 Maiores Filmes de John Ford

Existem poucas figuras na história do cinema (talvez apenas C.B. DeMille desafiadora credível) que passaram a definir a concepção popular do diretor de cinema tão John Ford. O monólito notoriamente irascível que ostenta oculares que essencialmente criou o filme Western como o conhecemos e fez John Wayne o ícone definitivo da masculinidade americana do século XX ao longo do caminho é tão central à paisagem histórica de Hollywood quanto os buttes de arenito à vista de seu amado Monument Valley. Então, à luz do Museu da Imagem em Movimento em Nova York, executando uma retrospectiva de seus filmes, usamos isso como nosso sinal de atraso para dar uma olhada nessa vasta filmografia.

É uma tarefa inviável: o catálogo de Ford tem quase 150 filmes e, mesmo que muitos estejam perdidos (muito poucos de seus primeiros silêncios ainda estão em circulação), o ritmo frenético de seu trabalho durante seus anos mais produtivos significa isolar apenas 10 filmes é assustador. Isso se deve em parte às inevitáveis ​​questões levantadas por qualquer exame moderno de Ford: sobre a natureza de sua própria política, sobre a validade da visão do Velho Oeste que ele mitologizou e sobre as críticas retroativas de sua obra em termos de gênero e gênero. raça. Mas mesmo nos debates mais acalorados, a habilidade de Ford como cineasta simplesmente não pode ser negada, nem mesmo pelos seus mais feridos detratores. Se ele era um homem bom ou não, ele era realmente um ótimo diretor; Aqui estão os 10 filmes que sentimos de forma mais convincente nesse caso.

O Informante (1935)
Existem clássicos atemporais no currículo da Ford e também títulos que parecem ter a idade deles. Ao contrário, digamos, ‘Liberty Valance, É difícil assistir 'The Informer' com um olhar moderno e não ver sentimentalismo exagerado em que os revisores contemporâneos viram 'sensibilidade', e sentir sua temática mão pesada por toda parte. Mas argumentamos que ainda é central para a compreensão da obra de Ford - as atitudes podem ter mudado desde a estréia do filme, mas fora da política questionável e do estilo de atuação elevado, o filme ainda oferece inúmeras riquezas. Uma adaptação do romance de Irishman Liam O'Flaherty, supostamente um primo de Ford, a história já havia sido transformada em filme em 1929, logo durante a troca de som (a versão anterior é de fato meio silenciosa e meio talkie). Mas o filme de Ford é um assunto muito mais polido, filmado em preto e branco e usando composições impressionantes que devem tanto ao expressionismo alemão quanto à tradição clássica de Hollywood. Mas o que é mais impressionante hoje é o quão estranhamente não comercial e atípica é uma história, e quão decididamente corajosa é a posição necessária para tornar o informante do título - o 'rato', por assim dizer - o personagem mais simpático entre os galeria de rebeldes, prostitutas e manipuladores políticos que procuram por vantagens. Muito dessa simpatia é devido ao ator Victor McLaglen, que apesar da arrogância e da teatralidade do papel (na famosa conclusão do filme, ele aperta o coração, grita em um êxtase de redenção e cai morto aos pés de uma estátua de Cristo - ainda que não seja) - ainda investe o condenado Personagem de Gypo com uma qualidade de animal ferido, enquanto luta para compreender a natureza de sua própria traição. O Gypo traiçoeiro trai o próprio código de masculinidade em meio ao conflito que Ford retornaria tematicamente uma e outra vez, e ainda assim é por ele que sentimos, e o frustrar sua bondade simplória que o filme mais lamenta. McLaglen ganha seu Oscar de Melhor Ator em todos os quadros, com 'The Informer' também rendendo à Ford o primeiro de seus quatro Oscars de direção, junto com Melhor Roteiro e Melhor Pontuação.

'Diligência' (1939)
Um filme de referência, um western definidor, um título revigorante para a Ford e um ator para John Wayne - se 'Stagecoach' não é o filme mais complexo ou desafiador da Ford, pode muito bem ser o mais completo. Uma escola de cinema com 96 minutos de duração, se você optar por seguir dessa maneira (e entre outras Orson Welles certamente assistiu 40 vezes em preparação para 'Citizen Kane'), É simplesmente inigualável nos parafusos e porcas de sua construção. A encenação da ação é clara e emocionante, a coreografia é enganosamente esperta - considerando que a Ford costuma estar disputando um local único e fechado - e a edição é fluida e graciosa, mas também implacavelmente envolvente: além de todos os outros superlativos, esse é um filme de ritmo perfeito. E dentro de toda essa excelência técnica, parece que o elenco realmente cresceu para a ocasião - é claro, é muito devido a Dudley NicholsScript script crepitante, mas é surpreendente testemunhar a sublimação de tantos arquétipos de personagens, de Dallas, a prostituta com coração de ouro (Claire Trevor, provavelmente o melhor desempenho feminino que a Ford já provocou), para o Ringo Kid, o inesperadamente nobre herói dos bandidos (Wayne), o melhor dos muitos companheiros irlandeses bêbados da Ford, Doc (Thomas Mitchell, que aliás teve um inferno de 1939, também aparecendo em 'Ido com o vento', 'Apenas anjos têm asas', 'Sr. Smith vai para Washington' e 'O corcunda de Notre Dame') Isso é ajudado pelas tendências igualitárias do roteiro, nas quais cada um dos ocupantes da diligência obtém sua própria história, até o vendedor de viagens em seu deerstalker (Donald Meek) e o jogador não confiável (John Carradine), que tem um código perverso que o impede de Dallas, mas tenta instintivamente proteger a esposa do respeitável coronel grávida (Louise Platt) De alguma forma, essa abordagem de conjunto, além de aumentar os riscos, pois a diligência inevitavelmente é atacada pelos índios (o humanismo de Ford não se estende a eles), confere à “diligência” uma vantagem moderna - parece quase subversiva da abordagem clássica de Hollywood clássica, onde há são protagonistas e personagens de apoio, e nunca os dois se encontrarão. O elenco de Wayne contra todos os conselhos é o elemento que garante o lugar de 'Stagecoach' na história do cinema, mas como um pacote completo, que recebeu sete indicações ao Oscar e duas vitórias, é o raro clássico ungido que também é uma alegria inabalável de se assistir sete décadas e meia após o seu lançamento.

“As uvas da ira” (1940)
Considerando o vasto impacto que teve no desenvolvimento da nação, surpreendentemente existem poucos filmes que consideram a Grande Depressão dos Estados Unidos um assunto explícito - certamente comparado com, por exemplo, a infinidade de filmes que detalham o envolvimento dos EUA na Segunda Guerra Mundial. Isso se deve, em grande parte, à natureza das narrativas: a vitória da guerra é facilmente lançada como uma história inspiradora de heróis e vilões compreensíveis, onde a Depressão era um pântano de miséria e degradação que não tinha um arquiteto único que, cinematicamente, pudesse meia na mandíbula. Mas também pode ser em parte porque o monumental vencedor do Oscar da Ford, 'The Grapes of Wrath', foi durante muito tempo considerado praticamente a última palavra sobre o assunto. É uma imagem quase indecentemente bonita, mas estilisticamente realista (cineasta genial Gregg Toland iria filmar 'Citizen Kane”No ano seguinte - o filme que gradualmente veio a suplantar 'Wrath' como o maior filme canônico de todos os tempos) e que não é uma observação ociosa: é a chave para o que faz o filme fluir com fluidez, obrigando-nos a continuar assistindo apesar do inevitável trajetória descendente do que é afinal um retrato da dignidade humana sob ataque incessante. Mas também possui um dos Henry FondaAs melhores performances, para Ford ou qualquer outro cineasta, como o ex-presidiário fraturado, mas idealista, Tom Joad. Na verdade, com a Ford aparentemente não interessada em apresentar o clã Joad como algo além de uma espécie de idealização de olhos enevoados da família americana decente, fundamentalmente decente, unida contra a adversidade, é um pequeno milagre que o desempenho de Fonda seja tão matizado e humano quanto é. Mas se em outros lugares o controle de Ford sobre seus personagens às vezes vacila para que se tornem indivíduos menos vivos do que representantes de classes inteiras de pessoas, é apenas porque ele tem peixes maiores para fritar: talvez nenhum outro diretor americano pudesse contar essa história na mesma escala que John SteinbeckÉ um romance épico e quase bíblico (embora o final do filme seja consideravelmente diferente do final do trovão do livro). O declínio subsequente de sua reputação, devido muito ao socialismo aberto de sua mensagem (irônico, visto que Ford é muitas vezes considerado, erroneamente, o mais direitista dos diretores) significa que é relativamente menos visto que muitos de seus outros filmes. Mas mesmo para aqueles de nós alérgicos ao tipo de discurso teatral em que às vezes entra em cena, há uma magnificência em 'As vinhas da ira' na amplitude de sua ambição, o que ainda a torna a versão cinematográfica definitiva de uma das cenas mais marcantes da América. épocas.

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'Eles eram consumíveis' (1945)
Além de seu conteúdo real, que é uma visão fascinante das equipes de botes da Segunda Guerra Mundial encarregadas de derrubar navios japoneses no Oceano Pacífico nas Filipinas, 'They Were Expendable' ocupa um lugar quase único nos anais da história do cinema, porque de tempo. Desenvolvido e filmado rapidamente em um momento em que a guerra no Pacífico certamente não estava indo no caminho dos EUA, o filme foi liberado em dezembro de 1945, momento em que, é claro, a guerra terminou, com os EUA definitivamente no lado vencedor. Portanto, com os temas distintamente fordianos do filme sobre a nobreza do sacrifício e o heroísmo do soldado comum (provavelmente condenado), ele chegou claramente fora de sintonia com a exaltação geral do período imediato do pós-guerra - é, de muitas maneiras, uma elegia para um retiro nobre que poderia muito bem ter sido um ponto de virada famoso se a guerra tivesse sido diferente de novo e teve eventos imediatamente, para usar um trocadilho sem gosto, e não explodi-lo na água. Talvez, de alguma maneira, isso torne o filme ainda mais valioso - o papel dos pequenos barcos no teatro do Pacífico é um aspecto da guerra dos EUA que é pouco conhecido. Mas o relativismo histórico à parte, 'Expendable' ainda ocupa uma posição privilegiada no panteão de Ford pelo filme que é inerentemente - acoplando o realismo granulado com um trio de performances fortes de Robert Montgomery, John Wayne e Donna Reed, parece um excelente casamento dos impulsos clássicos de Ford e seus instintos documentais ('A Batalha de Midway'Sendo o exemplo mais famoso e vencedor do Oscar dos 87 filmes de não ficção que a unidade de fotografia de campo de guerra feita no relógio da Ford). É também um ótimo exemplo da persona de Wayne em tempo de guerra e a natureza contraditória dessa imagem: ele alcançou seu estrelato duradouro durante a guerra e passou a personificar o heroísmo cotidiano do patriota americano que servia seu país na tela, mas o próprio Wayne nunca serviu. . De fato, a história diz que Ford, notório pelos argumentos no set devido ao seu estilo ditatorial (mais tarde ele entrou em conflito com Henry Fonda, também no mar, durante a produção de 'Senhor Roberts') Tiveram uma rara briga com Wayne nessa questão, e mesmo agora é de certa forma apontado que os créditos do filme listam os rankings militares de Ford e Montgomery, enquanto o nome de Wayne parece sem adornos.

'Minha querida Clementina' (1946)
Uma década e meia antes de 'Liberty Valance' e sua citação mais famosa, Ford 'imprimia a lenda': de fato, o lendário tiroteio no OK Corral só se tornou verdadeiramente lendário após seu filme. Desviando-se de fatos históricos (as personagens femininas são totalmente fictícias ou amálgamas; os Earps nunca foram cowboys; Old Man Clanton morreu antes do tiroteio; Doc Holliday sobreviveu etc.), o filme continua sendo a narrativa mais gratificante até hoje recontou muitas vezes a história, que Ford insistiu que ouvira em primeira mão Wyatt Earp quando Earp costumava visitar amigos cowboys nos sets de seus filmes. Até John Wayne creditou grande parte de sua inspiração pelos papéis de policial que passaria a ter conversas com o Earp da vida real. Porém, apesar de Ford filmar o personagem duas vezes, em nenhum momento ele contratou Wayne ...Cheyenne AutumnTem James Stewart no papel, enquanto em 'My Darling Clementine' é Henry Fonda. Fonda pode ter 'apenas' aparecido em 7 dos filmes de Ford (em comparação aos impressionantes 24 de Wayne), mas se Wayne é análogo à identidade de Ford - seu lado do homem-ação, seu instinto, sua masculinidade clara - então Fonda talvez fosse seu ego , e certamente é um desempenho ponderado, comovente e considerado que ele oferece aqui. De fato, é um dos grandes pontos fortes do filme que, apesar de chegar a um clímax incrível e ser um conto de vingança ocidental, também é um estudo de caráter orientado a detalhes e surpreendentemente alegre, além de precursor do filme. filme de camarada na dinâmica em evolução entre Earp e Doc Holliday (Victor Mature, em seu melhor papel de sempre). Desde “Stagecoach”, Ford não fez um ocidental tão minucioso em todas as frentes: como retrato de uma comunidade de fronteira, um romance, um filme de vingança (com um brilhante contra-tipo). Walter Brennan performance) e um filme de ação. No entanto, apesar de atuar em todos esses níveis de gênero, 'Clementine' tem um lirismo único, às vezes um silêncio discreto - Earp balançando em sua cadeira na varanda, Doc recitando o solilóquio de Hamlet. Há uma ampla faixa de sentimentalismo na Ford que os detratores são rápidos em apontar, mas “My Darling Clementine” é o argumento final do contraponto: se houver uma linha em que calor e doçura passem à manipulação e à imprudência, aqui a Ford não apenas caminha como Earp na cena da igreja, mas tira o chapéu danças em isto.

'Fort Apache' (1948)
O primeiro e, em termos de história, provavelmente o melhor da 'Trilogia de Cavalaria' da Ford, mesmo que não tenha o pictorialismo de 'Ela usava uma fita amarela'É Technicolor, ou o pré-'O homem quieto”Equipe de John Wayne e Maureen O'Hara dentro 'Rio Grande, ”“ Fort Apache ”é um ocidental tenso, complexo e ressonante que mantém a água como uma parábola para enfrentar táticas militares ainda hoje. Dentro do cânone de Ford, é particularmente importante a incorporação dos dois lados do debate nos dois atores que eram seus astros mais frequentes: Wayne e Henry Fonda. O popular Capitão York de Wayne representa o estrategista instintivo que depende de conhecimento e experiência pessoal no local para informar suas decisões. Fonda interpreta o tenente coronel quinta-feira, a quem é atribuída a promoção que os homens acreditam ser de York por direito e que representa uma abordagem rigidamente intelectual, segundo a qual regras estritas de conduta militar e estratégia teórica devem ser aplicadas, independentemente das circunstâncias em mudança. É essencialmente uma batalha entre uma espécie de arrogância dogmática e um pragmatismo militar mais maleável, mas a habilidade de Ford e seu estilo fluido e orgânico de cinema, juntamente com performances perfeitamente sintonizadas de seus dois principais protagonistas, nunca deixam esse filme se tornar excessivamente doutrinário. Pelo contrário: trabalhando em uma subparcela geracional fordiana familiar sobre um oficial mais jovem (John Encomendar) que se apaixona pela filha de quinta-feira (20 anos Shirley Temple em uma reviravolta espantosa), bem como seu conjunto habitual de suspeitos de alívio cômico obsceno, Ford se oferece muitas opções para manter o ritmo e não permitir que o peso de qualquer fio da história ultrapasse o impulso geral do filme. Isso não quer dizer que ele não escolha lados: as simpatias dele e, portanto, as nossas são claramente com o York de Wayne e o final, em que York apoia a versão oficial da ofensiva final tola e condenada de quinta-feira como o sacrifício corajoso de um soldado sábio, parece uma advertência salutar para todos nós (antes que ele fizesse um filme inteiro sobre isso com 'O Homem que Disparou na Liberdade') para não ter sempre uma lenda em seu valor nominal. Nesta era de rotação e ofuscação, essa conclusão parece mais sábia do que nunca; juntamente com um dilema central que ecoou em quase todos os conflitos dos EUA desde o Vietnã até as guerras do Iraque, pode ser que 'Fort Apache' seja o filme de maior relevância duradoura da Ford.

'Ela usava uma fita amarela' (1949)
De todas as muitas parcerias que caracterizam a longa carreira de Ford, 'Ela usava uma fita amarela', o filme do meio em sua chamada 'trilogia de cavalaria' ('Fort Apache' e 'Rio Grande'Sendo os outros), pode ter o ápice de uma conexão mais esotérica: talvez seja o melhor uso já feito por Ford de Monument Valley, Arizona, seu cenário de escolha para filmar o Velho Oeste. E enquanto as rochas vermelhas e os vastos céus dessa paisagem agora são familiares ao ponto de banalidade dentro de um contexto ocidental, aqui, Winston C. HochA vívida fotografia Technicolor vencedora do Oscar (você nunca imaginou que ele e Ford entraram em conflito durante as filmagens, especialmente durante a famosa cena de tempestade que levou Hoch a entrar posteriormente com o estúdio), tudo parece novo e novo: é naquela linda. Narrativamente, no entanto, isso é tão próximo de girar as rodas quanto a Ford 'boa' fica, contando uma história muito mais episódica e menos focada do que o habitual, como o Capitão Brittles (John Wayne jogando 20 anos mais velho que sua idade real), irritando-se com a derrota em Little Bighorn, enfrenta a aposentadoria ao mesmo tempo em que uma nova guerra indiana ameaça. Os assuntos vêm à tona quando ele lidera uma missão contra um acampamento de Cheyenne nas proximidades, ao mesmo tempo em que ele deve escoltar a esposa de seu oficial superior e sua filha graciosa até a diligência, mas o filme é estranhamente anticlimático em seus aspectos de guerra na Índia e bastante ensaboado em como ela se concentra na rivalidade a favor da filha do coronel. Mas talvez por causa dessa frouxidão incomum em termos de enredo e ritmo, o filme apresenta uma performance tremenda e incomumente introspectiva de Wayne - relatou seu papel favorito dentre os mais de 180 que ele desempenhou ao longo de sua longa carreira. Brittles está preocupado com a obsolescência invasora e a natureza de seu legado manchado e deve enfrentar uma lacuna de geração, personificada especialmente por Ben johnson como um de seus homens. Então, considerando tudo isso, 'Ribbon' é mais uma peça de personagem e uma história de redenção suave do que o entretenimento estridente que a Ford entregou em outros lugares, mas também mostra as novas texturas e ritmos que a Ford pôde encontrar no gênero que ele dominava - muito mais do que um conjunto de convenções e arquétipos, o Ocidente era robusto e icônico, mas também eternamente elástico.

'O homem quieto' (1952)
Nunca diga que abordamos essas peças do Essentials de ânimo leve - e, se houver um campo de batalha nessa, é sem dúvida a fatia icônica da blarney irlandesa da Ford, 'The Quiet Man'. Como filme, pode-se afirmar que é um exemplo de todas as piores tendências do lado mais sentimental de Ford - ali, sua inclinação ao exagero grosseiro é aplicada a toda uma nação e não apenas a um ou dois personagens. O filme é uma visão irremediavelmente romantizada da Irlanda como uma terra de colônias de cabelos grisalhos, moradores loiros e incorrigíveis e bêbados arrogantes (principalmente Victor McLaglen, colocando seu histórico de boxe em bom uso para Ford novamente). Por outro lado, se você ignorar qualquer conexão, ela pode alegar ter realidade, e considerá-la como uma espécie de 'Brigadoon'Fantasia ao estilo, é uma dose quase irresistível de química extravagante e provocante, apresentando um papel atípico para John Wayne em um gênero muito fora da zona de conforto da Ford - é essencialmente uma comédia romântica. A história é pura hokum: Sean, um ex-boxeador americano que prometeu nunca mais lutar, visita o Velho País e se apaixona pela garota local Mary Kate. Eles se casam, mas devido a disputas sobre a propriedade da terra, seu irmão se recusa a entregar o dinheiro para seu dote, que incendeia Mary Kate, que fica ainda mais enfurecida por Sean se recusar a lutar com seu irmão e ameaçá-lo. Agora, é preciso desconfiar de qualquer filme em que a moral seja que não há problema tão intratável que arrastar sua esposa pelos cabelos e instigar um bom e velho barney não conserte, mas quando esse donnybrook em particular continua por quase dez minutos e inclui hiatos cômicos, uma multidão cada vez maior de espectadores e, é claro, uma ida ao pub, é difícil ficar bravo. E em uma carreira sem muitos papéis femininos excelentes, o elenco de Ford de uma impressionante Maureen O'Hara aqui está um golpe de mestre - não apenas ela está com todos os olhos brilhantes e temperamento sensível ao toque, mas também traz um choque genuíno de sensualidade crua ao filme. De fato, um argumento inatacável para incluir 'The Quiet Man' em qualquer lista de filmes essenciais da Ford, além de ser um vislumbre fascinante da maioria dos diretores americanos sobre a herança irlandesa que ele tanto prezava, é que também contém a cena mais sexy que a Ford já filmou. Testemunhar Mary Kate e Sean brigando na chuva naquele cemitério velho, especialmente a maneira como Mary Kate, a coisa descarada, retrocede um segundo beijo enquanto a camisa de Sean é estampada em transparência contra seu corpo, é um lembrete mais uma vez da reputação da Ford como bastião do cinema homem-homem diminui a verdadeira gama de seus talentos.

Os Pesquisadores (1956)
Se agora é quase clichê considerar esta obra-prima desconcertante como o início do ataque de Ford ao mito do oeste americano que ele tinha sido tão singularmente instrumental no estabelecimento, é apenas porque é uma leitura tão irresistível com o benefício da retrospectiva 20/20. . Mas mesmo na época, com Ford no auge de seus poderes e diretor de fotografia regular Winton C. Hoch escalando as melhores alturas semelhantes na carreira, a história da caçada implacável de Ethan Edwards (John Wayne) pelo Comanche que assassinou a família de seu irmão e sequestrou sua sobrinha (Natalie Wood), pareciam e sentiam-se especiais - as vistas Technicolor e o enquadramento sugestivo (ah, aquelas fotos icônicas da primeira e da final) são certamente extraordinárias. No entanto, a tocha da pira aqui é a colaboração de Ford com o astro Wayne, em uma subversão de sua personalidade estabelecida como o 'herói' valentão racista e amargo da peça. Para ele, a tragédia que incita é uma injustiça não a ser corrigida, mas a ser vingada em sangue - tanto da sobrinha quanto dos seus captores - e Wayne nunca compromete o retrato desse personagem profundamente desagradável. Edwards é anti-heróico, anti-decente, anti-todos os papéis que Wayne desenhou para alcançar seu polo inatacável como o maior herói mitológico americano - ele certamente tem um código, mas é feio e quebrado. No entanto, isso não quer dizer que este filme seja verdadeiramente um revisionista ocidental - que viria mais tarde para Ford ('Cheyenne Autumn' de 1964 é um exemplo impressionante). De fato, “The Searchers” não oferece nada tão direto quanto uma reversão de preconceitos de gênero arraigados (aqui os índios ainda são “selvagens” sedentos de sangue): é uma complicação deles, uma tentativa de trabalhar ambiguidade e ambivalência e arrependimento nas linhas limpas do gênero tradicional heroísmo ocidental.

'O homem que atirou em Liberty Valance' (1962)
Sem contar seus muitos títulos perdidos, a filmografia maciça de Ford é tão extensa que nossa avaliação muda com o tempo, com alguns filmes entrando em foco enquanto outros perdem o brilho: é um corpo de trabalho que quase respira. Algo como 'Como o verde era meu vale, ”Um vencedor do Oscar de Melhor Filme / Melhor Diretor em 1941, pode diminuir em reputação (de fato, seu sentimentalismo enjoativo manteve a história nostálgica de uma comunidade mineira galesa fora da lista), enquanto outros filmes emergem como os clássicos mais duradouros da literatura. sua saída. O status de 'diligência' como um desses parecia garantido assim que foi lançado; 'The Searchers' demorou um pouco mais, mas agora ganhou um espaço regular nas listas de todos os tempos. Mas é um processo que está em andamento, e o mais recente título da Ford para receber esse tipo de reavaliação ascendente é seu brilhante, bonito, pensativo e emocionante 'O Homem que Disparou na Liberdade', que, de qualquer maneira, ao redor dessas partes, possivelmente eclipsa até esses títulos mencionados como a jóia mais brilhante da coroa da Ford. A história mostra o senador idoso de James Stewart, Stoddard, retornar à cidade poeirenta de Shinbone para o funeral de ninguém local Tom Doniphon (John Wayne), para que ele possa finalmente dizer a verdade sobre o assassinato de Liberty Valance (Lee Marvin) pelos quais recebeu crédito, fama e popularidade política. Mas, tão intricadamente quanto essa história é contada (e todos os diretores são excelentes, incluindo Vera Miles como um interesse amoroso mais dimensional do que a Ford reuniu em outros lugares), são os níveis metafórico e auto-referencial nos quais os filmes também funcionam que têm mais ressonância em andamento. A citação mais famosa do filme, apresentada pelo editor de jornais Maxwell Scott (Carleton Young), “Este é o Ocidente, senhor. Quando a lenda se tornar realidade, imprima a legenda ”, resume esses temas ordenadamente: às vezes, como prova a carreira subsequente de Stoddard, o bem maior é servido ao manter uma fabricação inspiradora, em vez de revelar a verdade menos esclarecedora. Mas é também uma leitura irresistível da própria abordagem de Ford para o cinema, especialmente devido à sua lealdade comprovada ao fato histórico - 'O Homem que Disparou em Liberty Valance' é uma homenagem ao poder da narrativa e da criação de mitos, bem como um argumento para os fins que justificam o significado. A grandeza de um homem, Ford parece estar dizendo, vale mais do que qualquer ovo quebrado ou leite derramado no caminho para lá - suas realizações transcendem os métodos pelos quais ele os alcançou. Aplique esse pensamento à arte do cinema no contexto de qualquer outro diretor, e isso pode parecer uma afirmação ridiculamente bombástica. De alguma forma, com a Ford, não.

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Se esses dez títulos formarem um belo John Ford 101, o curso mais avançado poderá incluir qualquer um dos cerca de trinta outros títulos. Mas nossas sugestões para visualização adicional provavelmente começariam com 'Mestre do vagão”, Que foi relatado como o favorito pessoal de Ford de seus filmes, pelo menos por um tempo. Então, '7 mulheres”É um corretivo fascinante para uma carreira passada mitologizando homens e masculinidade; 'Senhor Roberts”Foi uma experiência infeliz para Ford, que acabou sendo substituído como diretor, mas nada disso aparece no filme final, que também ganhou Jack Lemmon seu primeiro Oscar; e aqueles que desejam experimentar um pouco de sua carreira pré-talkie devem conferir 'O cavalo de ferro, ”Um relato abrangente da construção da primeira linha ferroviária transamericana. Além disso, ainda há muito a explorar - há algo na filmografia dele que você não acredita que não mencionamos? Deixe-nos saber nos comentários abaixo.

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