Todos os vencedores de Palme d'Or do Festival de Cannes, classificados

O hype anual dos prêmios tende a impulsionar a percepção de que o Oscar é o maior prêmio da comunidade cinematográfica. Mas para inúmeros cineastas e cinéfilos de todo o mundo, a Palme d'Ou sai à frente. Desde 1955, o Festival de Cinema de Cannes reúne um júri exigente de A-listers para conceder essa honra a uma seção exclusiva da competição, com alguns dos maiores autores que o meio já conheceu.



Originalmente conhecido como Grand Prix, o cintilante Palma de Ouro desempenhou um papel fundamental no avanço de carreiras, mas muitas vezes caiu para os veteranos da modalidade, e ao longo de sete décadas os júris reconheceram uma gama impressionante de realizações cinematográficas. Mas alguns desses prêmios foram mais valiosos que outros.

Aqui está uma olhada em todos os vencedores do Palme ao longo dos anos, classificados na ordem de quais acreditamos que mereciam mais. Visto como um todo, os vencedores fornecem uma pesquisa complexa do cinema internacional dos últimos 72 anos, e qualquer pessoa que não esteja familiarizada com esses títulos deve considerar a lista a seguir como um guia de visualização essencial.



71. 'Fahrenheit 11/11' (2004)

Michael Moore em Cannes



Laurent Rebours / AP / REX / Shutterstock

Os elogios ao documentário de Michael Moore em 2004 são extensos: uma ovação de 20 minutos em Cannes, a maior bilheteria de todos os tempos para um médico, a primeira (e até agora apenas) palme de Moore ou ganhar . E, no entanto, isso não significa que seja imune a críticas ou que seja mantido nos 15 anos desde que chegou à Croisette. Slavish e slapdash, o que antes parecia urgente e perturbador, agora apenas toca agitprop sem muito para ancorá-lo. Entre a tragédia do 11 de setembro, o histórico militar de George W. Bush e uma extensa metáfora sobre a queima de papel, é um filme que mostra a tendência de Moore em direção à metáfora contundente, aparentemente sem restrições. O próprio Moore voltou do filme com um trabalho melhor, mais rigoroso e mais refinado, incluindo o ano passado, Fahrenheit 11/9, ”; que serve como uma correção de curso ao seu antecessor. —KE

70. 'O Mundo Silencioso' (1956)

O primeiro filme vencedor de Palme e um dos dois vencedores de documentários, o relato de Jacques Cousteau de seus estudos sobre o oceano no Calypso foi pioneiro na fotografia colorida subaquática. Co-dirigido por Louis Malle (pré-exibindo seus documentários posteriores), ele continua sendo um filme visualmente forte, mesmo quando seu conteúdo agora parece familiar. Na época, era de abrir os olhos para o público. A Columbia o lançou teatralmente nos EUA e também ganhou o Oscar de Melhor Documentário. Visto hoje, no entanto, não envelheceu bem: a narrativa tem uma qualidade ingênua e o cinema sofre de uma sensação às vezes desconfortável de imprudência ambiental. —TB

69. 'Guardião das promessas' (1962)

François Truffaut foi um dos jurados no ano em que essa obscura fábula religiosa brasileira venceu. Ele veio no ano seguinte à comédia herética de Bunuel 'Viridiana' empatada no prêmio. Esse conto muito mais didático, baseado em uma peça teatral e muito pesado com o diálogo (substancialmente filmado nos degraus de uma igreja onde um camponês está tentando fazer uma oferta). O conflito ocorre quando a terrível hierarquia clerical teme que seus esforços sejam contaminados pelo vodu. Isso é um estranho vencedor de Palme na história. Foi indicado ao Oscar de Língua Estrangeira, mas mesmo com as duas distinções não foi divulgado nos EUA, e apenas em 1964. No mesmo período, nasceu o Cinema Nuovo, uma das novas ondas nacionais mais importantes do Brasil. dos anos 60. Continua sendo o único vencedor brasileiro e o único dos filmes de Duarte a ter uma exposição significativa no exterior. —TB

68. 'Eu, Daniel Blake' (2016)

'Daniel Blake'

O diretor inglês Ken Loach ganhou sua segunda Palme d'Or, depois de “O vento que sacode a cevada”, com seu drama angustiante de 2016 “I, Daniel Blake”. Contado com a marca registrada de Loach, o filme enfoca a história de um sobrevivente de ataque cardíaco de 59 anos que luta para receber apoio financeiro do sistema de assistência social da Inglaterra. O assunto é quase muito sombrio. O roteiro de Loach adere a um tom opressivo, oferecendo pequenos momentos de leviandade ou surpresa para aqueles dispostos a suportar seus detalhes punitivos. Apenas as duas performances que Loach sai de Dave Johns e Haley Squires elevam o tom sombrio. A Squires, em particular, oferece um trabalho inesquecível como uma mãe solteira decadente e amiga do personagem-título. O roteiro de Loach força os dois atores a passar por uma contusão emocional, e é a maneira como eles saem do outro lado com a humanidade intacta que faz 'I, Daniel Blake' cruzar a linha de chegada como um drama impactante, embora não possa competir com o melhor de Cannes. gordos de polioxietileno

67. 'O quarto do filho' (2001)

'O quarto do filho'

'' O quarto do filho '' pode ser digno de uma Palme de Ou, mas definitivamente não era digno da Palme de Ou em 2001, quando o drama sombrio de Nanni Moretti conquistou uma vitória sobre uma série de clássicos instantâneos como Mulholland Drive, rdquo ; “; Millennium Mambo ”; e 'O homem que não estava lá' (e isso está apenas contando os filmes da competição que começaram com a letra 'M'). A partir daquele momento, esse pequeno e dolorido filme foi condenado a uma eternidade de classificação no final de listas como esta. E é provavelmente aí que ele pertence.

Seja como for, ganhar um prêmio que não merece (de todo) é o pior pecado que 'o quarto do filho' confirma. Um comercial de longa-metragem de Brian Eno que está envolto em um retrato terno e meditativo de uma família desestruturada tentando se recompor, o filme de Moretti não poderia ser muito mais simples: o roteirista-diretor estrela como um terapeuta cuja vida é deformada. sofrimento quando seu filho de 17 anos se afoga. Eventualmente, depois de muitas brigas domésticas e reflexão interna, Giovanni e sua esposa (Laura Morante) entram em contato com a namorada do falecido filho e a recrutam para ajudá-los a seguir em frente com a perda - um processo que compreende compreensivelmente ouvir Eno. 'Por este rio' (talvez a música mais desolada já escrita) repetidamente. 'O quarto do filho' pode não ser o filme mais inovador ou ambicioso a estrear no Croisette (de fato, pode ser um dos menos), mas compreende os terríveis tambores da dor e enfrenta de maneira convincente a dolorosa percepção de que perder alguém significa nunca alcançá-los costas. —DE

66. 'Dheepan' rdquo; (2015)

'Dheepan'

Visto por alguns como uma vitória na carreira de Jacques Audiard, que já havia conquistado dois grandes prêmios no festival (Melhor roteiro de 'Um herói feito por si mesmo' e Grande Prêmio de 'Um profeta'), a vitória de 'Dheepan' não foi ' t especialmente inspirado. 2015 também foi o ano de “Filho de Saul”, “O Assassino”, “Carol” e “A Lagosta” estreou na Competição e, embora ninguém tenha deixado a Croisette de mãos vazias, era difícil, mesmo na época, não sentir vontade de eles foram enganados. 'Dheepan' certamente tem seus momentos, desde seus impressionantes cartões de título até a atuação de Antonythasan Jesuthasan no papel-título, mas seu terceiro ato violento e estridente parece ter sido tirado de outro filme menor. —MN

65. 'O vento que sacode a cevada' (2006)

O diretor britânico Ken Loach posa com o prêmio Palme D'or, que ganhou pelo filme 'O vento que sacode a cevada'

Christophe Karaba / EPA / REX / Shutterstock

O primeiro e mais merecedor dos dois vencedores de Palme d'Or, de Ken Loach, 'O vento que sacode a cevada' ainda não é o tempo todo. Cillian Murphy e Pádraic Delaney estrelam como dois irmãos que ingressam no IRA para lutar pela independência da Irlanda em 1920, com Loach dirigindo um roteiro do colaborador frequente Paul Laverty; como a maioria dos projetos recentes do cineasta, esse drama de guerra é bem montado, mas carece do espírito que tornou os gostos de 'Kes' tão atraentes. Isso não o impediu de continuar sendo o favorito em Cannes - ele estreou uma dúzia de filmes por lá e, além desses dois Palmes, ganhou de alguma forma o Prêmio do Júri por “The Angels 'Share” - e, mesmo que “The Wind That Shakes the Barley ”não é a sua melhor hora, é difícil invejar-lhe a honra. —MN

64 'O tambor de lata' (1979)

Volker Schlöndorff ’; s “; The Tin Drum ”; de alguma forma, conseguiu amarrar 'Apocalypse Now' para ganhar a maior honra do mundo dos filmes sobre 'Dias do Céu'. e 'Minha carreira brilhante' (e você pensou que 'Bater' derrotou 'Brokeback Mountain' era uma vergonha). Adaptado de Günter Grass ’; romance alegórico de mesmo nome, o épico de fábula de Schlöndorff conta a história desmedida de um garoto loiro chamado Oskar Matzerath (David Bennent), um tyke de aparência de Joffrey Baratheon que deu um tambor de lata no seu terceiro aniversário e então promete nunca envelhecer.

O ano é 1927, o mundo está tentando restaurar algum tipo de ritmo entre guerras, e o pequeno Oskar não tem interesse em desempenhar um papel em quaisquer atrocidades que estão por vir; este pequeno encrenqueiro insuportável - um substituto para todo o povo alemão que enfiou a cabeça na areia - só quer bater no tambor e gritar no topo de seus pulmões sempre que fica irritado (seus gritos estridentes têm o poder de quebrar) vidro). Bennent, que tinha 12 anos no momento das filmagens, oferece um desempenho poderoso e não diluído, que fica sob sua pele e permanece lá por quase três horas, mas a narrativa picaresca falha em encontrar uma batida constante, e até mesmo seus episódios mais perturbadores deslizam ao longo do filme. superfície das idéias apresentadas em Grass ’; livro. Oskar pode nunca ficar velho, mas o filme dele. —DE

63. 'A Criança' (2005)

Cannes ama poucos cineastas como os irmãos Dardennes, que ingressaram no clube de Palme d'Or por duas vezes com 'The Child' em 2005. (Eles já haviam vencido o filme por 'Rosetta', de 1999, e continuariam levando para casa o Melhor Roteiro de 'Silêncio de Lorna' e o Grand Prix de 'O garoto de bicicleta'.)) Outro exemplo de sua afinidade com o realismo discreto, focado nos oprimidos, segue as tentativas sem entusiasmo de um casal jovem e profundo de conquistar uma existência depois de ter um filho - que, em sua infinita sabedoria, o pai (Jérémie Renier, colaborador frequente de Dardenne), vende para um anel de adoção no mercado negro. A maioria dos filmes dos irmãos cinematográficos opera nesse campo, mas poucos são tão emocionantes - ou merecedores de seus louros de Cannes. —MN

62. 'Marty' (1955)

Vencedor do primeiro Palme d'Orm, ou Delbert Mann, Marty-Delbert Mann. parece algo modesto demais para ganhar um desses prêmios, muito menos os dois. A história de um açougueiro no Bronx (Ernest Borgnine) que se resignou a uma vida de solteiro - uma condição vergonhosa naqueles dias - o filme basicamente segue seu personagem de auto-aversão enquanto procura uma garota como 'patética' ; como ele é, e depois tenta não deixar que ele encontre (Betsy Blair) escorregar por entre os dedos.

'Marty'

Contada com a austeridade de um drama de Ozu e a tristeza de 'deixar o rosto na lama' de 'Make Way for Tomorrow', rdquo; 'Marty' é uma história de amor de coração solitário que parece muito maior do que parece na superfície, especialmente quando a mãe do herói (Esther Minciotti) aparece e você percebe o quão pouco ela tem para manter as coisas juntas. Os personagens do roteiro de Paddy Chayefsky são produtos de seu tempo (um momento em que Marty adia seu encontro para um beijo de boa noite, pode ser particularmente difícil de engolir para os telespectadores modernos), mas há uma intemporalidade palpável para seus ienes e anseios , e o solilóquio climático de Marty transmite um universo de desejo humano em apenas algumas frases curtas. Em outras palavras, o filme de Mann ainda tem mais a oferecer do que apenas ser uma resposta fatal no 'Quiz Show'. —DE

61. 'Persuasão Amigável' (1957)

No drama de William Wyler de 1956, baseado no romance de Jessamyn West de 1945, a fé e o pacifismo de uma pacífica família Quaker, liderada por Gary Cooper, são testados durante a Guerra Civil. Dorothy McGuire e Anthony Perkins completam o elenco principal de um filme sobre uma família que luta para manter sua identidade em meio a confusão e desgosto durante a guerra. Apresentações triunfantes, lindamente filmadas ao lado de uma ótima trilha sonora de Dimitri Tiomkin, reforçam essa história calorosa e adorável que mostra que, quando se trata do que é o coração da família, não há realmente um grande abismo entre os dias de hoje e 150 anos atrás. O filme pode não ser a conquista cinematográfica mais aventureira da história dos vencedores da Palme d'Or, mas foi indicado a seis prêmios da Academia, incluindo Melhor Filme, Melhor Diretor e Melhor Ator, em um Papel Coadjuvante. -PARA

60. 'As melhores intenções' (1992)

O Bille August da Suécia ganhou a Palma de Ouro duas vezes. Ingmar Bergman nunca fez um filme, apesar de ter sido premiado com uma Palme especial como a melhor diretora viva que nunca ganhou no 50º aniversário do festival. Este longa-metragem de três horas de uma minissérie televisiva mais longa (semelhante a Fanny e Alexander, de Bergman, que existe em ambas as versões) segue a história da infância desse filme, com uma visão um tanto especulativa do relacionamento de seus pais. Com base no roteiro de Bergman (ele escolheu o diretor), sua esposa Pernilla (uma estrela anterior de Bergman) recebeu o prêmio de Melhor Atriz. Max von Sydow também estrelou. Recebeu menos que elogios críticos unânimes, certamente muito menos que “Fanny” ou “Pelle” de agosto. Seu lançamento americano o viu entre os 10 principais lançamentos legendados em 1992, mas com apenas uma fração do que Fanny fez bem abaixo 'Pelle'. Agosto seguiu com uma série cada vez mais convencional de filmes de prestígio (incluindo 'A Casa dos Espíritos' e o não musical 'Les Miserables', de 1998, recentemente menos visto fora da Suécia. —TB

59. 'Pelle, o Conquistador' (1988)

O diretor sueco Bille August co-escreveu e dirigiu esse épico arrebatador de meados do século 19, que tem alguma semelhança com os elogiados sucessos dos anos 70 de Jan Troell, 'Os Emigrantes' e 'A Nova Terra', também estrelados por Max Von Sydow. Desta vez, o veterano de Ingmar Bergman interpreta um sueco mais velho e empobrecido que emigrou para a Dinamarca, prometendo a seu filho Pelle (Pelle Hvenegaard) uma vida melhor. Em vez disso, eles encontram servidão a um fazendeiro brutal (Axel Strøbye), que abriga seus novos trabalhadores em seu galinheiro. Depois de terríveis maus tratos, Pelle se adapta, aprende dinamarquês e encontra o caminho, enquanto seu pai, Lasse, encontra amor com uma mulher solitária cujo marido desaparecido, infelizmente, volta depois de anos no mar. A produção de maior orçamento da Escandinávia (US $ 4,5 milhões), coproduzida pela Dinamarca e Suécia e filmada pelo diretor de fotografia Jorgen Persson, venceu a Palma de Ouro de 1988, elogios da crítica e o Oscar em língua estrangeira da Dinamarca. 'Pelle the Conqueror' foi escolhido para distribuição em todo o mundo; graças a um esforço efetivo de marketing da Miramax (que arrecadou US $ 2 milhões na América do Norte), Von Sydow conquistou sua primeira indicação ao Oscar de Melhor Ator por seu desempenho emocionante como um homem quebrado que, no final do filme, não pode enfrentar emigrar de novo, mas envia seu filho para a América. —AT

58 “; Azul é a cor mais quente ”; (2013)

'Azul é a cor mais quente'

O único filme nesta lista a compartilhar o principal prêmio com suas estrelas, o romance de três horas de Abdellatif Kechiche provocou famosas paralisações em Cannes antes de ganhar o Palme d'Or - dividiu três maneiras entre o diretor e suas duas principais atrizes. Baseado em uma graphic novel, o filme é um conto sexual de amadurecimento sobre uma jovem professora chamada Adele (Adele Exarchopoulos), que se vê imediatamente atraída pelo lothario de cabelos azuis Emma (Lea Seydoux). A sala para quando eles olham um para o outro em um clube lotado e começam um caso cheio de luxúria que resulta em três cenas épicas de sexo. Embora o comprimento excessivo (e as acrobacias) das cenas dos quartos levantem as sobrancelhas, surpreendentemente não duram tanto quanto parecem. Mas não são apenas as cenas de sexo que são longas: o compromisso de Kechiche com o realismo se estende a cenas de Adele comendo espaguete, ensinando crianças pequenas e tomando banho. Ainda assim, mesmo com a controvérsia em torno do filme, não jogaríamos 'Blue is the Warmest Color' fora da cama. —KE

57. 'A Missão' (1986)

Dois anos depois de fazer uma estréia verdadeiramente auspiciosa com 'The Killing Fields', Roland Joffé evitou a queda do segundo ano (e mais alguns) ao vencer a Palme d'Or. Robert De Niro e Jeremy Irons o ajudaram nessa missão como mercenário e padre jesuíta, respectivamente, na América do Sul do século 18, cujas tentativas de espalhar a boa palavra não são exatamente bem-vindas por seus pretensos anfitriões. (Se isso soa parecido com o “Silêncio” de Martin Scorsese, é - e esses dois filmes formariam o duplo recurso.) Sua busca não é fácil, animadora ou até bem-sucedida, mas serve como um lembrete de quão poderosas questões de fé e espiritualidade podem ser quando tratadas adequadamente - algo que falta muito na maioria dos dramas da fé nos últimos tempos. Durante tudo isso, eles tentam se lembrar de uma passagem essencial da Bíblia: 'A luz brilha nas trevas, e as trevas não a vencem'. —MN

56. 'Os pássaros, as abelhas, os italianos' (1966)

'Signore e Signori' era seu título italiano, mas o inglês (usado para seu lançamento americano pela Warner Bros.) transmite o tom dessa comédia de três partes de episódios não relacionados. Os filmes Omnibus Continental eram comuns nos anos 50 e 60, mas geralmente com um produtor usando vários diretores em um esforço relacionado ao tema. Nesse caso, o diretor Pietro Germi, depois de “Divórcio, Estilo Italiano” e “Seduzido e Abandonado” (ele dividiu um Oscar por escrever o primeiro), foi uma volta de vitória em um período em que ficou atrás apenas de Fellini entre os diretores italianos em popularidade nos EUA O filme, com histórias de adultério, impotência e uma sedutora menor de idade, compartilhou a Palme com “Um homem e uma mulher”, de Claude Lelouch. Os dois filmes - vistos meio século depois - servem como exemplos principais do que apelou ao público doméstico sobre o cinema europeu na época. —TB

55 'A classe' (2008)

O raro 'filme escolar' que não define seu caráter de professor central como um otimista de olhos arregalados ou um disciplinador louco por regras, a adaptação de Laurent Cantent do romance semi-autobiográfico de François Bégaudeau (que também protagoniza o filme) sobre suas próprias experiências ensinando é tudo sobre encontrar as sombras entre as coisas (e as pessoas). Talvez os pais de Cantent - ambos professores - devam ser agradecidos, ou o elenco de não-atores, ou o roteiro pesado e improvisado de Cantent. Que nem Cantent nem Bégaudeau eram preciosos com o material é claro, e o resultado é um filme que reinventa silenciosamente o subgênero (um grampo francês), explorando-o com realismo e carinho. As crianças que completam o resto do elenco - adolescentes de verdade, que ideia! - criar espaços únicos para si mesmos e, como seu professor, nunca ceder a convenções ou tropas. É por isso que Cantent é capaz de explorar questões maiores com facilidade, esforçando-se para fazer um filme sobre as diferenças que muitas vezes se tornam óbvias em um ambiente educacional - do intelectual ao econômico - sem atingir ninguém na cabeça com elas. Ao longo de um ano, o filme ocasionalmente sinistro acompanha a mudança de vidas à medida que o calendário avança, e quando a escola sai para o verão, é difícil não se sentir um pouco melancólico por tudo o que aconteceu antes. —KE

54. 'A classe trabalhadora vai para o céu' / 'O caso Mattei' (1972)

Um caso raro de um ano com co-vencedores que também daria um duplo repertório perfeito. Ambos da Itália, ambos estrelando Gian Maria Volonte, ambos defendendo temas esquerdistas, são uma cápsula do tempo de uma espécie de cinema europeu do início dos anos 1970. Ambos vieram de diretores proeminentes estabelecidos - Petri, de origem mais tradicional / gênero, havia acabado de ganhar o Oscar de Língua Estrangeira por “Investigação de um cidadão acima da suspeita”, e Rosi alcançou destaque no início dos anos 1960 por “Salvatore Giuliano”. O caso Mattei ”foi um exemplo típico do que Giuliano ajudou a estabelecer como uma espécie de biofilme. Ou pegando diretamente uma figura histórica ou apresentando um retrato pouco velado, ela apresentava uma figura combatendo a corrupção (geralmente no governo, mas também nos negócios e na máfia). 'Z', pouco antes, 'Stavisky', de Alain Resnais, são outros exemplos principais do que o BFI, em sua retrospectiva dos filmes de Rosi, chamou de 'investigação cine', filmes que expunham crime e injustiça, geralmente dentro dos mais altos escalões da sociedade. 'Mattei' era sobre um oficial do governo que desafiou a oligarquia italiana de petróleo e morreu em um misterioso acidente de avião com acusações que o governo britânico a traçou.

Hoje está abaixo dos melhores filmes de Rosi, que junto com Giuliano incluem 'Hands Over the City', depois 'Christ Stopped at Eboli' e 'Three Brothers'. Foi lançado nos Estados Unidos pela Paramount (eram momentos diferentes) para um impacto mínimo. (O próximo filme de Rosi, 'Lucky Luciano', com Rod Steiger como a figura da lenda da máfia, teve um post de lançamento muito mais amplo 'O Poderoso Chefão'.) De qualquer forma, foi mais proeminente do que o lançamento mínimo concedido à 'classe trabalhadora' (título dos EUA : “Lulu the Tool”) pelo New Line Cinema recentemente formado e frequentemente político. Lulu é um trabalhador de uma fábrica, amado por seus chefes por sua produtividade e não balançando o barco. Seus colegas de trabalho não gostam dele. Quando ele perde um dedo em um acidente, sua vida começa a se desfazer e ele começa a ficar alienado do mundo. Este foi o filme intermediário da chamada 'trilogia da neurose' de Petri ('Investigação' foi a primeira). Aqui, não apenas os proprietários, mas também seus colegas de trabalho são alvos de cinismo, com foco em um personagem masculino simpático que perdeu o rumo (o filme parece um modelo para a série de filmes um pouco menos política de Lina Wertmueller, pouco depois com Giancarlo Giannini). Tanto “Mattei” quanto “classe trabalhadora” parecem cápsulas do tempo de uma época passada, com um apelo local particularmente forte (ambos foram grandes sucessos na Itália) - são políticos, nervosos, irritados e lembram um tipo de cinema que floresceu brevemente, mas não tinha uma qualidade de atemporalidade. —TB

53. 'The White Ribbon' rdquo; (2009)

'A fita branca'

Michael Haneke gosta de apertar os botões de sua audiência, e certamente o fez mais uma vez com esse drama de época em preto e branco que é subtextualmente sobre a ascensão do nazismo. Situado na véspera do assassinato do arquiduque Ferdinand em 1914, na pequena cidade alemã de Eichwald, no norte da Alemanha, 'The White Ribbon' segue várias famílias diferentes que não percebem que sua existência está prestes a ser destruída para sempre. Grande parte do filme é sobre crianças, apresentada como primos Bösekinder dos desumanos tykes na 'Vila dos Condenados'. A implicação? Esta é a geração nazista em forma de proto; eles crescerão e enfrentarão todos os horrores que se seguem. O júri do Concurso de Cannes descobriu que a leitura das origens do fascismo é profunda. Se é realmente é discutível; o que não é discutível é que a cinematografia do filme é extraordinariamente atmosférica, como um exercício dos dias de hoje no expressionismo alemão, sombras ameaçadoras lançadas de folhas chicoteadas pelo vento e tudo. O pavor se espalha por todos os lados, fazendo do filme de Haneke uma experiência visceral, mesmo que se deseje que também seja estimulante para o intelecto. —CB

52. 'Adeus, minha concubina' (1993)

Por um momento, quando Chen Kaige fez um épico suntuoso que derrotou gente como 'Naked' e 'The Puppetmaster' para a Palme d'Or, ou em 1993, parecia que ele emergiria como a voz definitiva da chamada 'quinta geração'. de cineastas chineses. Infelizmente, não era para ser; O acompanhamento de Chen, 'Temptress Moon,' rdquo; foi afetado por problemas de produção e questões de censura, e ele ainda não se recuperou completamente. Mas, mesmo que Chen tivesse conseguido expandir o sucesso crítico e comercial, ele desfrutou com seu retrato épico nos bastidores da Ópera de Pequim, 'Farewell My Concubine'. provavelmente ainda seria lembrado como a jóia da coroa no topo de sua carreira.

Tal como acontece com muitos filmes de quinta geração, 'Farewell My Concubine' rdquo; é emoldurada pelo levante da Revolução Cultural, mas a obra-prima de Chen se destaca pela magnificência de sua escala, pelo melodrama de sua história e pelo significado de suas canções. Ao longo de mais de 50 anos, o filme segue dois personagens, desde a infância até a morte, já que eles são atribuídos a papéis específicos em uma tradição antiga e são forçados a manter suas partes enquanto o mundo se transforma ao seu redor (Leslie Cheung e Zhang Fengyi interpretam os protagonistas). quando adultos, enquanto o grande Gong Li aparece como a cortesã trágica que os separa, embora não da maneira que você poderia esperar). Um testemunho suntuoso e cativante do fato de que o tumulto político é a soma de um bilhão de histórias pessoais, 'Adeus Minha Concubina' foi hackeado por Harvey Weinstein por seu lançamento americano, mas o corte completo de 171 minutos - na extrema necessidade de restauração - sobrevoa rapidamente. —DE

51. 'A Enguia' (1997)

O mestre japonês Shohei Imamura compartilhou o Palme com Abbas Kiarostami, 'Taste of Cherry'. para este drama tenso sobre segundas chances. A história gira em torno de Takuro (Koji Yakusho), um homem preso por matar sua esposa infiel e forçado a reconstruir sua vida depois de ser libertado da prisão. Depois de abrir uma barbearia, ele força um vínculo com a desanimada Keiko (Miss Shimizu) e acaba sendo arrastado para os dramas de seu relacionamento com um agiota local. Imamura já era uma figura importante da Nova Onda japonesa quando ele entregou essa absorvente personificação da raiva e da vulnerabilidade que fervilha sob a superfície da identidade moderna de seu país, e é uma introdução ideal ao seu trabalho - íntimo, cheio de moral. ambigüidade e sombrio, ele também consegue atingir uma nota pungente sobre o desejo de continuar, mesmo quando as perspectivas parecem sombrias. —EK

50. 'Espantalho' (1973)

O diretor Jerry Schatzberg compartilhou o Palme de 1973 com 'The Hireling'. para esta encarnação clássica da maior década do cinema americano produzido em estúdio. O drama ambicioso encontra dois homens rebeldes (Al Pacino e Gene Hackman no auge de seu apelo cinematográfico) unindo forças para iniciar um negócio, enquanto fazem uma jornada infeliz para se reconectar com velhos parentes que seguiram em frente sem eles. No processo, eles acabam na prisão (pelo personagem de Hackman, uma segunda vez) e tentam colocar suas vidas de volta aos trilhos mais uma vez, com resultados mistos. Mas esses esforços são principalmente um trampolim para o primeiro filme de amigos verdadeiramente moderno, pois o casal desenvolve uma co-dependência única que seus outros relacionamentos na vida nunca poderiam proporcionar. Com o golpe de um e dois de 1971, o 'Panic in Needle Park' e este emocionante estudo de caráter seriocômico, Schatzberg provou que ele era um dos diretores americanos mais impressionantes que surgiram nesta década reverenciada - e continua sendo um dos menos apreciados. —EK

49. 'Quando o pai estava fora dos negócios' (1985)

O Emir Kusturica, um jugoslavo sérvio, fez apenas um filme antes de surpreender o vencedor de 1985. É o primeiro de seus dois ganhadores de Palme ('Underground' em 1995 é considerado sua obra-prima). Embora não seja autobiográfico, ele apresenta sombras autobiográficas em sua recriação da Iugoslávia do início dos anos 50 e como suas políticas complicadas (incluindo a pausa de Moscou) afetaram a vida de um menino de seis anos de idade. Dizem que seu pai, na verdade um prisioneiro político, está viajando para trabalhar. Essa longa história inclui uma rica variedade de personagens extragrandes, uma apreciação terrena de suas lutas e capacidade de lidar (semelhante aos filmes anteriores da New Wave na República Checa; Kusturica estudou cinema em Praga) e um amor apaixonado por seu país complicado pouco antes do fim do comunismo e sua queda na guerra civil. A chave para seu sucesso é a sensibilidade transmitida do ponto de vista de um menino. O próprio Kusturica costuma atuar e também é um artista musical. Sua experiência em ambos os campos dá cor extra a este filme. —TB

48. 'The Square' rdquo; (2017)

'O quadrado'

Três anos depois de estrear sua comédia negra estridente 'Force Majeure' no festival, o cineasta sueco Ruben Östlund voltou com uma nova visão de mais uma instituição que precisava de um espeto justo. Enquanto 'Força Maior' rdquo; assumiu a unidade familiar e o conceito de masculinidade, 'The Square' foi atrás do mundo da arte e até ofereceu algumas perspectivas únicas sobre a feminilidade moderna no processo. Principalmente um envio do mercado de arte contemporânea e a disseminação viral das mídias sociais, 'The Square' reforça seu humor ultrajante com algumas performances sorrateiras, de Claes Bang a Elisabeth Moss. Ainda assim, é a peça de arte com performance de aceleração máxima de Terry Notary que realmente dirige o filme. Ele escalou aqui como Oleg, um homem que age como um macaco e consegue fazer com que seu público - tanto no filme quanto no teatro - sinta um espectro aterrorizante de emoções. É para isso que serve a arte - mesmo nos extremos mais bobos - e é aí que Östlund continua a encontrar suas próprias maneiras loucas de se destacar. —KE

47. 'Crônicas dos anos de fogo' (1975)

'A Batalha de Argel', de Gillo Pontecorvo, obra-prima contada da perspectiva de um estranho sobre a guerra de independência daquele país da França, retrata a luta em um ambiente urbano. 'Crônica dos anos de fogo' foi feita por um argelino, do ponto de vista árabe, cerca de 15 anos antes do início da guerra real em 1954. Este filme de três horas de duração é conhecido e íntimo ao interpretar seus personagens e personagens. uma boa introdução histórica ao assunto, mas falta o escopo cinematográfico alcançado por Yuossef Chahine, do Egito, o mestre do cinema africano Sarahan. O filme foi recebido por ameaças de morte quando exibido em Cannes, com a raiva entre os pieds-noirs - os cidadãos europeus da Argélia quando era uma província francesa - ainda fervendo. Nunca recebeu um lançamento teatral convencional nos EUA e permanece pouco conhecido até hoje. —TB

46 'Rosetta' (1999)

Os irmãos autógrafos belgas Jean-Pierre e Luc Dardenne ganharam seu primeiro de dois Palme d'Ors por este trabalho seminal de realismo social, o gênero que eles fazem melhor do que ninguém hoje em dia. A história da jovem adolescente titular (Émilie Dequenne, que ganhou a melhor atriz do festival) lutando pela vida em um parque de trailers com sua mãe alcoólatra é uma destilação dos Dardennes; capacidade de criar representações absorventes da vida da classe baixa através de personalidades marcantes e suspense de queima lenta. A busca de Rosetta para conseguir um emprego em uma loja de waffles local, mesmo às custas do homem de bom coração que trabalha lá, cria uma série de incidentes irritantes nos quais a história ameaça se transformar em uma saga de crimes enigmáticos. Mas os Dardennes são mais espertos do que isso, e mantêm o público atraído, sugerindo a possibilidade de as frustrações de Rosetta sobre o ambiente renderem circunstâncias terríveis, ao mesmo tempo em que mantêm o drama enraizado em sua incerteza psicológica. O final ambíguo não é um final muito feliz, mas consegue transmitir a vaidade de tentar consertar um sistema quebrado - realmente, nada que Rosetta faça pode mudar sua situação - enquanto sugere as perspectivas de sobreviver outro dia através da companhia. O filme mostra o quanto os Dardennes foram capazes de criar sua própria versão do neorrealismo com base nas preocupações belgas contemporâneas. Acima de tudo, 'Rosetta' ilustra o Dardennes ’; propensão a fundir comentários sociais severos com suspense de primeira classe. É um drama fascinante de cineastas que se destacam em transformar o naturalismo obsceno em intensas experiências viscerais. —EK

45. 'The Hireling' rdquo; (1973)

Dois anos depois de 'The Go Between', de Joseph Losey, venceu em Cannes, uma segunda adaptação de um romance sobre amor ilícito que se passa entre a aristocracia rural inglesa dividiu as principais honras (com 'The Scarecrow'). Dirigido por Alan Bridges, anteriormente conhecido por dirigir peças exibidas na BBC, este estrelou Robert Shaw como motorista que se envolve com Sarah Miles como sua rica empregadora. Não é uma 'Miss Miss Daisy', mas sim um estudo crítico de como as perspectivas distorcidas pelas diferenças de classe podem levar a danos e ferimentos. Isso teve muito menos impacto do que o filme anterior de Losey, embora ambos tenham recebido um lançamento doméstico pela Columbia. Bridges continuou principalmente com o trabalho na TV, embora seu mais recente 'O Retorno do Soldado' e 'O Grupo de Tiro' tenham recebido modesta atenção na década seguinte. —TB

44. 'The Knack e como obtê-lo' rdquo; (1965)

O acompanhamento de Richard Lester ao clássico dos Beatles, 'A Hard Day's Night', é mais um dia dos namorados cinético e estúpido dos anos 60. Esta comédia em preto e branco de maneiras românticas adaptada por Lester e Charles Wood da peça Ann Jellicoe emprega um coro de londrinos mais velhos e coloridos para comentar sobre os costumes sexuais dos jovens, encarnados pelo baterista hipster Tolen (Ray Brooks). Ele tem o 'jeito' de aterrissar garotas, enquanto o professor colin (Michael Crawford), menos suave e praticado, não. Para aprender com o mestre, Colin se muda com Tolen para observar suas técnicas de sedução em primeira mão. Enquanto ele está adquirindo um dossel maior, ele conhece Nancy, uma gamine tímida e sorridente do país em busca da YWCA (Rita Tushingham), que o ajuda a levar a cama de volta ao quarto de solteiro, onde Colin não quer compartilhar ela com seu amigo. Mal-entendidos acontecem quando Nancy desmaia e pensa que ela foi estuprada por Tolen. Seus atores não apenas abordam a câmera, mas usam técnicas de edição disjuntivas, legendas engraçadas e uma partitura jazzística de John Barry. (Jane Birkin, Charlotte Rampling e Jacqueline Bisset lançaram carreiras longas com este filme.) O filme obteve seis indicações ao BAFTA após sua surpresa Palme dor ou sua vitória em Cannes. —AT

43. 'Segredos e mentiras' (1996)

Segredos e Mentiras

Marianne Jean-Baptiste é uma jovem optometrista negra que, após a morte de seus pais adotivos, decide rastrear sua mãe biológica, que ela descobre ser uma mulher branca (Brenda Blethyn). O caos que é a vida familiar da mãe fornece muita forragem para o drama. Como em todo trabalho de Mike Leigh, a atuação é de primeira qualidade, graças em grande parte aos métodos do cineasta - ele realizou o roteiro durante vários longos períodos de ensaio com o elenco que durou meses. Os resultados incluem algumas performances muito críveis, já que os atores ajudaram a criar os personagens. E a fotografia sem cerimônia do diretor de fotografia Dick Pope destaca a estética docu-dramática do filme. Marianne Jean-Baptiste recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante, fazendo dela a primeira atriz negra britânica a ser indicada ao Oscar. -PARA

42. 'Um homem e uma mulher' (1966)

Do diretor Claude Lelouch vem este clássico de 1966 - um filme suave e visualmente emocionante de amor rejuvenescedor entre uma viúva e um viúvo: um motorista de carro de corrida (Jean-Louis Trinignant) e uma roteirista de cinema (Anouk Aimee) compartilham um romance sincero, enquanto equilibra as demandas de carreira e paternidade. É uma visão tocante e realista de um romance adulto em expansão, com cada participante sobrecarregado por uma tragédia passada, fazendo com que eles procedam com delicadeza. O filme também é famoso pela linda trilha sonora de Francis Lai. Vencedor do Oscar de Melhor Filme em Língua Estrangeira e Melhor Roteiro Original, é possivelmente uma das mais doces histórias de amor já capturadas na tela. Uma sequência inferior, 'Um homem e uma mulher: 20 anos depois' foi lançada em 1986, e Lelouch planeja concluir o que será efetivamente uma trilogia, com um terceiro filme que estreia em Cannes 2019. -PARA

41. 'A Longa Ausência' (1961)

Ironicamente, dado o impacto do movimento na França, nenhum diretor francês da New Wave venceu a Palme d'Or. Apesar de o movimento estar no auge em 1961, um filme de estréia de Henri Colpi, também francês, dividiu o prêmio (com 'Viridiana', de Bunuel), cujo filme não fazia parte do movimento. Colpi era editor (ele cortou 'Hiroshima, meu amor', de Resnais, e continuou no ofício algumas vezes pelo resto de sua carreira). Apesar desta vitória inicial, ele e este filme permanecem pouco conhecidos, pelo menos fora da França. Visto hoje, parece um filme mais da “Tradição de Qualidade” no filme francês que Truffaut denunciou em 1954. Alida Valli dirige um bistrô suburbano de Paris sozinha desde que seu marido não voltou de um campo de prisioneiros de guerra da Segunda Guerra Mundial. Um vagabundo amnésico que se assemelha a ele aparece, com sua verdadeira identidade incerta. O filme é uma reminiscência de dramas franceses dos anos 30 e 40, de diretores como Carne, Pagnol, Duvivier e outros que representavam arte e narrativa mais convencionais e estilo menos pessoal. (A crítica favorável de Bosley Crowther ao New York Times começa elogiando-a por ser diferente dos filmes franceses recentes.) Separada de seu contexto, esta é uma história envolvente que oferece muitos momentos agradáveis. —TB

40. 'A Árvore dos Tamancos de Madeira' (1978)

“; A Árvore dos Tamancos de Madeira ”; é um triunfo do naturalismo como quase nada no cinema, e parece o estado final do neorrealismo italiano - que, após o épico de Ermanno Olmi, simplesmente não há mais nada a fazer. Olmi conta essa história de três horas de quatro famílias vivendo e trabalhando em uma enorme fazenda comunitária em Bergamo, Itália, na virada do século XX. É trazido à vida inteiramente por não-atores locais que falam no dialeto Bergamasque. A maior parte do filme são apenas vinhetas da vida na fazenda: personagens cantando enquanto jogam milho, participam de missas, lidam com as consequências de enviar um filho para a escola em vez de fazê-lo trabalhar, passando pelo processo elaborado de abater um porco (os animais foram feridos em a realização deste filme). Não é de admirar que seja um dos filmes favoritos de Mike Leigh e no Critério Blu-Ray de 'A Árvore dos Tamancos de Madeira'. ele opina sobre quanto é adicionado ao deixar os não-atores familiarizados com a vida na fazenda fazendo coisas com os quais estão familiarizados. (Leigh brinca sobre o quão tola seria a idéia de 'aprender a cidade', matando um porco.) A vida dos trabalhadores da fazenda é contrastada com a dos ricos proprietários de terras para os quais dedicam a grande parte de seu trabalho. uma espécie de feudalismo moderno. Olmi encontra graça em seu trabalho e define cenas de seu trabalho para Bach, enquanto os proprietários de terras as crianças brincam com rondos Mozart com babados no clavicórdio. Fale sobre se tornar político através do subtexto. —CB

39. 'Todo esse jazz' (1980)

'Todo aquele jazz'

É uma pena que a F / X tenha massacrado a história de vida de Bob Fosse em uma minissérie quando ele mesmo expôs tudo tão graciosamente quase 40 anos atrás. Um dos grandes musicais originais de filmes que raramente vemos, o filme espelha vagamente '8 1/2' de Federico Fellini em seu conto fracamente autobiográfico e levemente fantástico de um artista egomaníaco e das mulheres que o orbitam. O filme apresenta uma performance febrilmente carismática de Roy Scheider no papel de Joe Fide, Joe Gideon, além de lendas sobre seus próprios direitos, Jessica Lange e Ann Reinking. O estilo singular e a coreografia distinta de Fosse sempre ficariam ótimos no filme, mas o fato de ele escrever (com David Alan King) e dirigir uma peça de mortalidade tão dolorosamente íntima não é pouca coisa. —JD

38. 'M * A * S * H ​​*' (1970)

Ainda é difícil imaginar como deve ter sido assistir ao filme irreverente e não convencional de Robert Altman, guerra de comédia e guerra, enquanto o país estava mergulhado na destruição do Vietnã. Em partes, era uma comédia tão negra quanto o dr. Strangelove, ”; mas com um absurdo apolítico que é quase mais perigoso. O filme episódico foi repleto de sequências cômicas, como quando um personagem, Painless, decide cometer suicídio por um período de impotência. A equipe do MASH organiza uma Última Ceia para administrar a pílula fatal - completa com a música 'Suicide is Painless'. isso se tornaria o tema do programa de TV spin-off - que nada mais é do que um esquema elaborado para fazê-lo transar. O uso experimental de longas metragens de Robert Altman, repleto de personagens todos individualmente dedicados e mantendo várias conversas, parecia uma partida radical para uma comédia lançada em estúdio. A surpresa que Palme d ’; Ou vencedor iria se tornar um hit surpresa ainda maior e fenômeno cultural. CO

37. 'Elefante' (2003)

'Elefante'

Um dos filmes mais assustadores para ganhar o Palme d'Or, 'Elephant', de Gus Van Sant, inspira-se no massacre da Columbine High School para criar um retrato da América sonâmbula em busca de uma tragédia. O roteiro de Van Sant consiste em um diálogo mínimo, com os atores improvisando grande parte de suas brincadeiras no corredor. O efeito dá a 'Elephant' a sensação de um documentário, com Harris Savides ’; câmera deslizante, criando um nível de insensatez que só aumenta em intensidade claustrofóbica quando as filmagens começam. 'Elephant', que levou para casa a Palme d'Or em 2003, é uma história implacável de tragédia americana que a maioria dos americanos não deseja aceitar, portanto, não é de admirar que o filme tenha causado um impacto semelhante nos Estados Unidos em Cannes. gordos de polioxietileno

36. 'Faltam' (1982)

Por um tempo lá, ninguém estava fazendo thrillers políticos como os de Costa-Gavras. Depois de ganhar o Prêmio do Júri de 'Z' de 1969, ele retornou 13 anos depois com 'Missing' para vencer o grande prêmio. Em uma de suas melhores (e menos engraçadas) atuações, Jack Lemmon interpreta Edmund Horman, cujo filho Charles desapareceu (leia-se: assassinado) durante o golpe de estado do Chile em 1973. Sissy Spacek se une a Lemmon como nora de Horman, com o filme assumindo um clima cada vez mais desesperador, quase claustrofóbico, quanto mais tempo passa. Isso se deve em parte a uma pontuação caracteristicamente densa de Vangelis, para não falar da história verdadeira na qual 'Missing' se baseia, e Costa-Gavras condena todos os envolvidos no travesti sem mencioná-los pelo nome. Por seus esforços, ele ganhou não apenas a Palme d'Or, mas também compartilhou um Oscar pelo roteiro do filme com o co-escritor Donald E. Stewart; apesar de ser comemorado em outro lugar, o filme foi proibido no Chile. —MN

35. 'O Piano' (1993)

'O piano'

Jan Chapman Prods / Miramax / Kobal / REX / Shutterstock

Na estréia do Cannes Palais na estréia do drama romântico de Jane Campion na década de 1850, os críticos choraram com a história de uma pianista muda, solitária e infeliz, casada (vencedora do Oscar Holly Hunter) que prefere uma pioneira bruta, mas tenra, da Nova Zelândia (Harvey Keitel) a seu taciturno marido (Sam Neill). Vinte e três anos depois, sozinha como a única diretora em um mar de vencedores da Palme d'Or, a Campion foi aplaudida na comemoração do 70º aniversário de Cannes. Nenhuma outra mulher levou para casa esse prêmio. E Campion é uma das cinco mulheres indicadas para o Oscar de Melhor Diretor; ela levou para casa a vitória (para Roteiro Original), junto com Hunter por sua performance emocional silenciosa e Anna Paquin como sua jovem filha vigilante. Este filme inimitável e íntimo se mantém ao longo do tempo e ainda oferece um soco emocional. —AT

34. 'Se' hellip; ”; (1969)

No ano seguinte ao cancelamento de Cannes por causa de protestos estudantis, era natural que a Palme d'Or fosse premiada com um filme sobre uma insurreição sangrenta nas dependências de um campus. Um drama furioso que se atreve a considerar o lado positivo da violência revolucionária (e termina com um tiroteio escolar justamente justificado, no qual os alunos começam a abrir fogo contra seus pais e professores), o filme se chama 'If & hellip ;,' como em “; se … se alguém fizesse isso hoje, isso arruinaria as carreiras de literalmente todas as pessoas envolvidas. '

30 temporada de rock 1

Mas Lindsay Anderson nunca teve medo de enviar um tiro de advertência em toda a cultura da Grã-Bretanha, e também não foi a estrela Malcolm McDowell, cuja atuação como sexta forma não conformista Mick Travis - um personagem que ele repetiria em O Lucky Man ! ”; e 'Britannia Hospital' - serve como uma audição para o papel que ele desempenharia em 'A Clockwork Orange'. Três anos depois. Em um ano em Cannes, que também continha gente como 'Easy Rider' e 'Z', 'r' “; Se … ”; estava longe de ser o único filme a lançar uma granada no status quo, mas a visão de Anderson é tão sem piscar e incendiária que se destaca. É raro que um filme transmita uma ameaça direta de uma geração para outra, e 'Se' ressoa como uma relíquia inabalável de uma época em que a pop art não tinha medo de encenar um ataque direto aos poderes que estavam. —DE

33. 'Eternidade e um dia' (1998)

O autor grego Theo Angelopoulos estava muito atrasado para uma Palme d'Or, ou antes de vencer em 1998, emergindo triunfante de uma linha de competição bastante insignificante que foi destacada por artistas como The Hole, rdquo; 'Os idiotas', e 'Velvet Goldmine' (infelizmente, Roland Emmerich 's' Godzilla 'exibido fora de competição). Mas se 'Eternidade e um dia' não é o mesmo que obras-primas anteriores como 'The Traveling Players' e 'O Passo Suspenso da Cegonha', Angelopoulos ’; a meditação poética sobre a morte e o significado ainda é o trabalho tocante de um cineasta incomum e atencioso; uma elegante e sinuosa caminhada através do nevoeiro da memória que atravessa algumas das imagens mais assustadoras do diretor antes de aterrissar em uma cena final que divide a diferença entre verdade profunda e absurdo sacarino.

O falecido grande Bruno Ganz (dublado em grego) interpreta um escritor moribundo de Salônica chamado Alexandros, cujos últimos dias se desviam repentinamente quando ele se mistura com um jovem albanês que está sendo traficado pelo país. Essa trama é atada juntamente com as lamentações melancólicas de um velho tentando medir a própria vida, e tudo leva um tempo para se encaminhar para o fim (acontece que a eternidade e o dia são um tanto bonitos). muito tempo). Se o ritmo sonâmbulo e os floreios espirituais lembram os últimos trabalhos de Andrei Tarkovsky, o imperativo moral do enredo do filme riffs em Akira Kurosawa, Ikiru, rdquo; outra história sobre alguém que busca um propósito enquanto embaralha essa bobina mortal. Mas como qualquer ótimo filme sobre o assunto, Angelopoulos ’; O vencedor deixará você procurando o seu. —DE

32. 'A Árvore da Vida' (2011)

'A árvore da Vida'

Um poema visual contado com luz. Há sempre um elemento de espiritualidade no trabalho de Terrence Malick, juntamente com a consciência de que a existência humana é uma espécie de crepúsculo no vasto espaço do universo. É um tema explorado descaradamente neste filme - incluindo cortes nas cenas que envolvem a criação do universo -, mas é melhor expresso nos momentos efêmeros que Malick encena e descobre, enquanto o diretor de fotografia Emmanuel Lubezki persegue a luz, para criar um retrato de um artista. família em uma luta sem fim entre vida e morte, luz e escuridão, destruição e graça. 'A Árvore da Vida' apresenta uma visão cósmica da vida, do universo e de tudo: poucos cineastas teriam a ousadia de passar dos dinossauros e do big bang para a vida pequena da cidade do Texas. Mas essa visão intransigente é o que torna 'A Árvore da Vida' uma experiência inabalável. Alguns críticos vaiaram o filme em Cannes, mas isso não impediu o júri de premiá-lo com a maior honra. CO

31. 'Road' rdquo; (1982)

Não é um filme perfeito, mas se houver algum nessa lista que mereça ser melhor visto, é Yılmaz Güney, Yılmaz Güney, Yol. A história de sua criação vale a pena sozinha. Güney era um dissidente político que, durante a década de 1960, ajudou a elevar o perfil do cinema turco como nenhum cineasta antes dele - seu filme de 1970 'Umut'. ('Hope') chegou a receber elogios de Elia Kazan. Mas ele foi preso durante a maior parte da década de 1970, primeiro depois de ser acusado de abrigar radicais de estudantes e depois por alegadamente atirar e matar um promotor público. Ele continuou a escrever roteiros ao longo de sua prisão, tendo seu colaborador Serif Goren fazendo o trabalho real de direção. Em 1981, ele escapou da prisão e fugiu para o exílio em Paris - novamente, ele mandou Goren fazer o trabalho de realmente dirigir 'Yol'. Este filme é uma história tríptica de três prisioneiros na Turquia libertados em uma licença de uma semana. Uma história segue a reunião de um condenado com sua esposa - ele foi preso por um assalto que deu errado que resultou na morte de seu irmão, e sua família quer que ele morra agora por permitir que isso aconteça. Outro se concentra em um condenado curdo que viaja de volta para sua família e vê a horrível opressão que eles enfrentam nas mãos dos militares turcos - 'Yol'. foi banido na Turquia apenas por incluir o 'Curdistão' como um título de localização na tela. E o último e mais poderoso é sobre o terceiro prisioneiro, que ao ser libertado da prisão é confrontado por sua família com o fato de que sua esposa cometeu adultério enquanto ele estava preso: eles exigem que ele viaje de costas para sua vila ancestral para ele. cometer a 'matança de honra' dela. Ele não quer, mas sente que não tem outra escolha. O que acontece é inesquecível. —CB

30. 'Dancer in the Dark' (2000)

'Dançarino no escuro'

O provocador musical de 1964, dirigido por Lars von Trier, protagoniza Björk como Selma, uma imigrante tcheca que trabalha em uma fábrica rural no estado de Washington, e é uma mãe solteira que perde a visão de uma doença hereditária. Para proteger seu filho de 10 anos do mesmo destino, Selma diligentemente economiza seus ganhos para pagar por uma operação necessária. À noite, ela foge para um mundo onde 'nada terrível acontece', ensaiando uma produção de 'The Sound of Music' com a melhor amiga Kathy (Catherine Deneuve). Mas quando um vizinho (David Morse) trai sua confiança, a vida de Selma se desfaz, e as linhas entre realidade e fantasia se esvai. Peter Stormare e Joel Gray também estrelam este trágico conto de fadas original. É o terceiro filme da Trilogia do Coração de Ouro de von Trier; 'Breaking the Waves' (1996) e 'The Idiots' (1998) são os outros dois. A faixa 'Ive Se It All' da partitura - lançada como o álbum 'Selmasongs' e escrita principalmente por Björk - foi indicada ao Oscar de Melhor Canção Original. -PARA

29. 'Sono de inverno' (2014)

Nuri Bilge Ceylan posa com seu prêmio Palme d'Or por 'Winter Sleep' em Cannes em 2014

Thibault Camus / AP / REX / Shutterstock

Alguns vencedores de Palme parecem surgir do nada, enquanto outros são precedidos pelo autor em questão recebendo prêmios menores ao longo do caminho. “Winter Sleep”, de Nuri Bilge Ceylan, se enquadra na última categoria - “Distant” já havia vencido Melhor Ator, Melhor Diretor de “Three Monkeys” e “Era Uma Vez na Anatólia” levou para casa o Grande Prêmio - mas isso não significa não era digno. Uma meditação lenta e magnificamente disparada sobre as desigualdades de classe na Turquia e além, tem a sensação de uma fábula sem ser evidente em sua moralização. O cinema de Ceylan pode ser um gosto adquirido, mas também é profundamente gratificante. —MN

28. 'Sob o sol de Satanás' (1987)

Se você nunca viu a adaptação de Maurice Pialat do romance de Georges Bernanos, sua primeira pergunta é provavelmente se ele cumpre esse título. A resposta é um enfático sim: Gérard Depardieu, em uma de suas melhores performances, interpreta um padre devoto cujo flerte com uma jovem assassina pode realmente ser uma forma de tentação satânica. Sua Palme d'Or, a primeira de um filme francês em 20 anos, foi vista como um evento que o então presidente François Mitterrand escreveu a Pialat uma carta de parabéns pela qual ele disse que o filme “mostra a vitalidade que pode e deve caracterizar Cinema francês. ”Se você conhece Depardieu por suas travessuras mais recentes, permita que“ Sob o Sol de Satanás ”reformule completamente sua percepção dele - e, talvez, o próprio conceito de graça divina. —MN

27. 'Homem de Ferro' (1981)

A coisa mais próxima de uma sequência entre os vencedores de Palme, 'Man of Iron', seguiu 'Man of Marble', do diretor Andrzej Wajda, em seu estaleiro em Gdansk e em seu personagem principal, filho do herói do filme anterior. Wajda é justamente comemorado por sua trilogia de filmes ambientados na Segunda Guerra Mundial, feitos na década de 1950 ('A Generation', 'Kanal' e 'Ashes and Diamonds'.) A ascensão do movimento Solidariedade o levou de volta à aclamação internacional com esses filmes. dois filmes separados por quatro anos. 'Iron' foi o mais antigoverno deles, com um degelo ideológico que cresceu durante as filmagens e permitiu sua liberação, embora tenha sido banido logo depois. Seu imediatismo é seu maior patrimônio, mas sua disposição de retratar os eventos atuais com rapidez compromete-o em comparação com a atemporalidade dos dramas anteriores de Wajda, baseados na história. A vitória de Cannes, em parte, foi vista como um impulso para o Solidariedade. —TB

26. 'Underground' rdquo; (1995)

A inventividade visual e o ritmo frenético do diretor Emir Kusturica - que muitas vezes parecem Fellini em adderall, acompanhados por uma estridente banda de metais dos Balcãs - agora se estendem à história conturbada de sua amada Iugoslávia, que estava em um período prolongado de desintegração. 'Underground' rdquo; é uma farsa ambiciosa de três horas (havia uma versão de cinco horas para a televisão) sobre o que acontece com a alma de um país e seu povo que vive em constante estado de guerra há 50 anos. As reviravoltas da trama são tão absurdas quanto preocupantes: Marko, um líder em ascensão no partido comunista, mantém seus amigos escondidos no porão convencidos de que a Gestapo ainda está indo de porta em porta 15 anos após o fim da guerra. Mas nada pode impedir que os personagens turbulentos de Kusturica bebam, briguem e fodam. CO

25. 'Gosto de cereja' (1997)

Vencedor da Palme d'Or em Cannes 1997, 'Taste of Cherry' de Abbas Kiarostami é um dos vencedores mais divisivos do festival. Roger Ebert odiava o filme, chamando-o de 'terrivelmente entediante', mas algo sobre a paciência de Kiarostami e o cruzamento entre close-ups e vastas fotos de paisagens cria um feitiço inegável para o espectador. O filme é estrelado por Homayoun Ershadi como um homem dirigindo por Teerã procurando alguém para concordar em enterrá-lo debaixo de uma cerejeira depois que ele comete suicídio. A abordagem coloca o personagem principal de Kiarostami sob uma lente microscópica enquanto o espectador analisa seus movimentos em busca de respostas. Quanto mais o homem entra em foco, mais 'Gosto de cereja' convida espectadores para o labirinto de auto-reflexão de Kiarostami. gordos de polioxietileno

24. 'A balada de Narayama' (1983)

O diretor Shōhei Imamura sempre foi subestimado, com a exceção notável de Cannes, onde duas de suas joias no final da carreira venceram o Palme. Freqüentemente havia uma exuberância cinematográfica e divertida nos filmes anteriores de Imamura, mas nesta história da prática japonesa do século 19, conhecida como ubasute - um pai idoso é carregado pela montanha e deixado morrer aos 70 anos - ele mostra uma tremenda restrição. A câmera e a narração de histórias permitem sutilezas do desempenho, contrastando com a beleza da paisagem rural para levar a história. Sumiko Sakamoto apresenta uma performance incrivelmente discreta como uma mulher que excede seu destino, mas precisa encontrar uma esposa para o filho mais velho antes que ele a carregue pela montanha. —CB

23. 'Sexo, Mentiras e Videotape' rdquo; (1989)

O diretor dos EUA Steven Soderbergh, à esquerda, detém a Palma de Ouro que recebeu por seu filme 'Sexo, Mentiras e Vídeos' no 42º Festival Internacional de Cinema de Cannes, na França. Ao lado dele está a atriz Jane Fonda
Festival de Cannes, Cannes, França

Gilbert Tourte / AP / REX / Shutterstock

Um recurso de estreia notável de Steven Soderbergh, que lida com os temas de sexualidade e obsessão do filme com humor e sensualidade incisivos. O drama erótico é estrelado por James Spader como Graham, um amigo da faculdade perdido que volta à cidade e entra na vida de John (Peter Gallagher), um playboy envolvido, sua santa esposa Ann (Andie MacDowell) e sua irmã atrevida. Cynthia (Laura San Giacomo). Cada um é gradualmente atraído pela teia de sexo, mentiras e vídeos de Graham, e é transformado. Spader conquistou o prêmio de Melhor Ator no Festival de Cannes por sua performance excepcionalmente sutil e provocativa em um filme bem executado que apresenta performances fascinantes em todos os sentidos. Soderbergh foi indicado ao Oscar por seu roteiro. -PARA

22. 'Os guindastes estão voando' rdquo; (1958)

Os três primeiros homenageados da Palme de Ou eram, de qualquer forma, incontestáveis: 'Marty' o documento de Jacques Cousteau 'O mundo silencioso'; e 'Persuasão Amigável'. Mas o quarto vencedor de Palme é elétrico e merece ser cada vez mais conhecido entre os cinéfilos de hoje: 'Os guindastes estão voando' é um estudo de caráter vertiginosamente subjetivo sobre a vida de civis soviéticos sofrendo destruição e privação urbana durante a Segunda Guerra Mundial. A certa altura, o estupro da personagem feminina principal por um trapaceiro é justaposto a um ataque aéreo alemão, uma opção expressionista na cara de emparelhar o terrorismo pessoal com o terrorismo de bombas em queda que ressalta as cicatrizes psicológicas duradouras que surgem ambos. Este é um filme profundamente empático, no qual as emoções nunca se perdem no que são algumas das imagens em preto e branco mais espetaculares já exibidas na tela, cortesia do diretor soviético Mikhail Kalatozov e seu diretor de fotografia Sergei Urusevsky. Eles repetiam os longos movimentos de rastreamento, o bloqueio naturalista complicado, os ângulos holandeses e os efeitos extremos de iluminação de alto contraste do 'The Cranes Are Flying'. em dois acompanhamentos igualmente impressionantes, embora menos gratificantes, o conto de sobrevivência no deserto 'Letter Never Env' e revolucionário potboiler 'Eu sou Cuba'. —CB

21. 'Orfeu Negro' (1959)

Marcel Camus ’; O clássico vibrante de 1959 (também vencedor do Oscar de Melhor Filme em Língua Estrangeira) é vagamente baseado em Orfeu e Eurídice da mitologia grega, tendo como cenário o Rio de Janeiro, Brasil, durante a temporada de carnaval. Orpheu (Breno Mello) se apaixona por Eurídice (Marpessa Dawn), e a dupla deve fugir de um assassino vestido como Death (Ademar Da Silva) e da vingativa noiva Mira (Lourdes de Oliveira) nesta tragédia realista e mágica. O filme apresenta uma trilha sonora de samba de Luiz Bonfa e Antonio Carlos Jobim. Sua trilha sonora notável é creditada com a introdução individual da Bossa Nova ao resto do mundo. É uma versão fresca, colorida, atmosférica e infecciosa de uma fábula icônica. -PARA

20. 'O intermediário' (1971)

'The Go-Between' é um dos grandes filmes de memória do diretor Joseph Losey e do roteirista Harold Pinter, adaptado do popular romance de L.P. Hartley e contendo a inesquecível linha de abertura: 'O passado é um país estrangeiro; eles fazem as coisas de maneira diferente por lá. ”Em 1900, em um sufocante agosto em uma propriedade rural de Norfolk, o filme viaja para lá e para cá no tempo, 50 anos, contando uma história emocionante de rito de passagem sobre a corrupção da inocência, amor, e beleza. O doce e imaginativo Leo (Guarda Dominic) passa as férias de verão com o amigo do colégio interno Marcus (Richard Gibson), jogando e conjurando feitiços, tentando se encaixar na classe. Então Leo cai sob o feitiço da linda irmã mais velha de Marcus, Marian (Julie Christie), que o atrai para ser seu mensageiro particular, passando cartas para frente e para trás com seu amante secreto, o agricultor inquilino, Ted (Alan Bates). Mas o que começa como um jogo romântico se torna uma maldição para Leo (com a versão adulta interpretada por Michael Redgrave). Filmado por Gerry Fisher com um senso de opulência e decadência, e pontuado pela nota assustadora de Michel Legrand (com pianos de duelo), 'The Go-Between' perdura como uma avaliação amarga do século XX. -BD

19. 'Barton Fink' (1991)

Barton Fink

A sátira histérica de Hollywood dos Coen Brothers na década de 1940 é estrelada por John Turturro, em sua melhor performance, um dramaturgo da Broadway que relutantemente se muda para Hollywood para trabalhar como roteirista. Comissionado para escrever um roteiro de baixo orçamento sobre luta livre, o Fink desenvolve severos bloqueios de escritor ... e coisas estranhas começam a acontecer. O relógio bate e a pressão aumenta à medida que a vida de Barton gira ainda mais fora de controle. Turturro lidera um elenco sólido que também inclui John Goodman, Judy Davis, Michael Lerner, John Mahoney, Tony Shalhoub, Jon Polito e Steve Buscemi. A pontuação evocativa de Carter Burwell e a esplêndida cinematografia de Roger Deakins complementam a sensação surreal da Era de Ouro de Hollywood se aproximando. O filme recebeu três indicações ao Oscar, incluindo Melhor Ator Coadjuvante por Lerner. Turturro e Joel Coen receberiam o prêmio de Melhor Ator e Melhor Diretor em Cannes, além de ganhar o Palme. -PARA

18. 'O pianista' (2002)

'O pianista'

Um dos maiores - talvez os maiores - filmes sobre o Holocausto já feitos. Afinal, quantos cineastas com o talento de Roman Polanski são os próprios sobreviventes do Holocausto? Embora ele permaneça uma figura polarizadora para muitos em Hollywood, a emoção e a humanidade em 'O Pianista' foram suficientes para suspender o julgamento de Polanski, se não moralmente, pelo menos artisticamente. Quão apropriado é que o filme seja uma meditação sobre a natureza e a moeda da arte e dos artistas em uma sociedade moralmente depravada. Mas não foram os esforços de Polanski que fizeram o filme ser tão impressionante; 'The Pianist' apresentou o talento monumental do futuro vencedor do Oscar Adrien Brody - a figura distinta apresentou uma performance de carreira como o músico polonês-judeu Władysław Szpilman. Quando o nome de Polanski foi anunciado como Melhor Diretor no Oscar de 2002, ele foi aplaudido de pé à revelia. Tal é o poder de 'O Pianista'. —JD

Jornada nas Estrelas Michael Chabon

17. 'Amor' (2012)

Michael Haneke faz anotações para Emmanuelle Riva e Jean-Louis Trintignant
no set de “Amour” (2012)

Filme Wega / Kobal / REX / Shutterstock

O autor austríaco Michael Haneke sempre conheceu o caminho da tragédia, mas o vencedor do Palme de 2012 abriu ainda mais espaços em sua marca particular de miséria bela e pesada. Justamente denominado uma 'tragédia romântica', o filme pega com metade do casal central do filme já morto, depois trabalha para trás para nos fazer entender por que aconteceu (e por que esse final pode não ser uma tragédia total). Encabeçada pelas lendas cinematográficas genuínas Jean-Louis Trintignant e Emmanuelle Riva (com Haneke como Isabelle Huppert como filha adulta), 'Amour' é uma história de amor com suas próprias batidas distintas e começa quando as rodas saem, a flor sai da rosa e todo o brilho se esvai. O que resta então? Haneke e suas estrelas trabalham em direção a um final inevitável e comovente (e, bem, também um começo) e se esforçam para dar a ela todas as tonalidades que uma união de décadas pode ter. A picada é profunda, mas também é uma que é merecida e honesta, uma tragédia tornada terrivelmente pessoal. —KE

16. 'Blowup' (1967)

O thriller misterioso de Michelangelo Antonioni, 'Blowup', ganhou as principais honras no 20º Festival de Cinema de Cannes em 1967 e inspirou clássicos como 'The Conversation', de Coppola, e 'Blow Out', de De Palma. David Hemmings é um fotógrafo de moda de Londres que pode ou não pode não ter capturado um assassinato em filme, cuja resposta leva a uma obsessão sombria. A direção de Antonioni explora a superfície do cenário de contracultura e talento visual do filme para criar uma declaração sobre a relação do artista com a arte e os fluxos e refluxos de satisfação e isolamento que o acompanham. O resultado final é uma das grandes meditações do cinema sobre arte, mas disfarçado de um thriller de mistério e assassinato. gordos de polioxietileno

15. 'Tio Boonmee, que pode recordar suas vidas passadas' (2010)

“Tio Boonmee, que pode recordar suas vidas passadas”

Anexo A quando se trata de 'Razões para se entusiasmar e ainda acreditar no cinema no século XXI' é Apichatpong Weerasethakul. Seus filmes não são apenas ambientes envolventes, são comida de avant garde radicalmente empática: você poderia fazer pior do que apenas fazer uma de suas telas de TV domésticas dedicadas a reproduzir a filmografia Weerasethakul em um loop. Realmente, qualquer um de seus filmes é Palme d'Or ou digno, e é difícil entender por que o 'tio Boonmee' é mais do que 'Tropical Malady' ou 'Síndromes e um século' ou 'Cemitério do Esplendor': 'tio Boonmee' certamente traz muitas das características desses outros - design de som tão imersivo que parece despertar seus sentidos, representação de tratamento médico, mistura de hiper-realismo e surrealismo, um esforço determinado para estimular a atividade das ondas delta e teta em seu cérebro. Essa última parte não é brincadeira: acreditando que o cinema é semelhante a um estado de sono e sonho, Weerasethakul experimentou experiências teatrais de roadshow nas quais as pessoas se deitam em um berço enquanto assistem a um de seus filmes e são incentivadas a ir a dormir. 'Tio Boonmee' pode ser o que mais parece um cobertor de segurança, na descrição de um homem envelhecido com insuficiência renal que é revisitado pelos fantasmas de seus entes queridos perdidos. Até uma linha descartável quando ele está falando sobre sua diálise e diz: 'Isso é karma porque eu matei muitos comunistas'. e tantos bugs na fazenda ”; não pode diminuir sua afeição muito real por ele. A vida é cheia de horrores. Aqui estão os filmes que tornam a vida melhor. —CB

14. 'Paris, Texas' (1984)

'Paris, Texas'

Harry Dean Stanton vagando pelo deserto do oeste do Texas. Um suéter rosa, apenas felpudo o suficiente para pegar o que passa. Ry Cooder, batendo em seu violão, vidas inteiras reverberando entre cada nota. Uma vida inteira de vídeos caseiros gravados em uma câmera Super 8. Nastassja Kinski olhando seu reflexo em um espelho de mão única e ouvindo a voz familiar do outro lado, enquanto conta uma história sobre 'essas duas pessoas' ele soube uma vez.

Wim Wenders ’; 'Paris, Texas,' rdquo; que ficou de cabeça e ombros acima dos outros filmes da Competição de Cannes em 1984, é um daqueles filmes que penetram em seu corpo de várias direções ao mesmo tempo e depois começa a se acumular no fundo da sua mente como a areia de uma ampulheta. Macio e impenetrável ao mesmo tempo, esse drama semi-místico (ou é um western moderno?) Começa com um homem saindo do passado, reunindo-se com o filho que ele deixou para trás e depois rastreando a bela mulher com a quem ele viveu 'em um lugar sem idioma ou ruas', e construiu um paraíso que nunca foi tão forte quanto as memórias enterradas em suas ruínas.

Uma história de inquietação, de andanças, de demônios particulares e de sonhos compartilhados, e das promessas e traições da expansão americana, essa vencedora de Palme é uma ode singular a tudo o que perdemos, mas não podemos deixar para trás. É também um documento de vários artistas importantes que se juntam para complementar um ao outro, de Wenders; direção transcendente, ao trabalho de câmera empoeirado de Robby Müller, L.M. Kit Carson e roteiro sobressalente e poético de Sam Shepard, ao papel que Stanton nasceu para interpretar. Nenhum mapa dos melhores filmes do século XX está completo com um alfinete em 'Paris, Texas.' —DE

13. 'Selvagem no coração' (1990)

A equipe 'Wild at Heart' em Cannes em 1990

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Adorada e vaiada em Cannes durante sua estréia em 1990, o altamente perverso e emocionante 'Wild At Heart' marca a única vitória de Palme d'Or da carreira de David Lynch até agora. O roteiro combina Nicolas Cage com uma sensual sensualidade e Laura Dern, enquanto dois amantes escapam do passado em uma viagem conturbada por um país da América que virou hellscape. Lynch prova ser um mestre nas mudanças de tons aqui, equilibrando sem esforço a hilaridade exagerada com emoções psicossexuais que conseguem subverter o subgênero dos amantes em fuga e falar com os Estados Unidos em queda livre. 'Wild At Heart' é um filme sem medo em todos os sentidos da palavra. gordos de polioxietileno

12. '4 meses, 3 semanas e 2 dias' (2007)

“4 meses, 3 semanas e 2 dias”

Diz muito que “4 meses, 3 semanas e 2 dias” ganhou a Palma de Ouro no mesmo ano em que “No Country for Old Men”, “Zodiac”, “Zodiac”, “Secret Sunshine”, “Silent Light” e “The Silent Light”. Diving Bell and the Butterfly ”estreou em Cannes e ninguém reclamou. O olhar devastador de Cristian Mungiu sobre o aborto em seu país natal anunciou a Nova Onda romena ao mundo de uma maneira que nem “A Morte do Sr. Lăzărescu” ou “12:08 a leste de Bucareste” fez, mostrando as muitas maneiras pelas quais a o reinado opressivo de Nicolae Ceaușescu continuou ecoando quase duas décadas após a morte do ditador. Seu triunfo em Cannes foi especialmente importante devido ao desprezo pelo Oscar, que ainda dura mais de uma década depois. —MN

11. 'A conversa' (1974)

Gene Hackman em 'A Conversação' (1974)

Moviestore / REX / Shutterstock

Francis Ford Coppola nunca quis tornar a vida fácil para si. Após o maior sucesso de sua carreira em 'O Poderoso Chefão', que quebrou recordes de bilheteria, ganhou o Oscar de Melhor Filme e, bem, instantaneamente se tornou um dos filmes mais amados de todos os tempos, ele poderia apenas descansar sobre os louros e preparar 'The Godfather Part II'. Em vez disso, ganhou outro louro - um louro literal na Palme d'Or - por uma das realizações cinematográficas mais desafiadoras de sua carreira e um meio emocionante de desafiar o cinema americano a experimentar coisas novas. 'A Conversação' é um mergulho profundo e consciente de uma busca obsessiva por significado, incorporada por um detetive particular chamado Harry Caul (Gene Hackman), que acha que um rico empresário (Harrison Ford) planeja o assassinato de sua esposa (Cindy Williams) e seu amante por causa de um trecho da conversa que ele gravou: 'Ele nos mataria se tivesse a chance'. Mas o que essa frase única realmente significa? E como esse significado mudaria dependendo da entonação e do contexto? Pense 'Blow-Up', mas também representado como um retrato implacável da solidão: esse é um dos personagens mais remotos e desconhecidos de Hackman. Popeye Doyle parece quente e confuso quando comparado a Harry Caul. —CB

10. 'Ladrões de lojas' (2018)

'Ladrões de lojas'

Não é apenas o fato de ficar sentado durante o tempo de duração de duas horas, geralmente delicioso, às vezes de partir o coração de 'Shoplifters', parecer fazer parte de uma família que é totalmente estranha para a maioria das pessoas, mas graças ao calor dos personagens e à intimidade de No cinema de Hirokazu Kore-eda, você se sente completamente em casa. Cativante do primeiro ao último quadro, o vencedor do Palme de Kore-eda cria um drama familiar emocionante e, em seguida, separa astutamente seus fios até que o tapete não seja apenas puxado de baixo de você - ele está totalmente desintegrado. Cada personagem adulto contém nós de contradições, seu charme os torna infinitamente convincentes, mesmo depois que suas verdades indecorosas são reveladas. Os artistas, crianças e adultos, se divertem mais como um elenco teatral do que como um elenco de filmes, e sua facilidade natural e química fundamentam a história bizarra. Como seus personagens, 'Shoplifters' é um grande filme - em escopo, ambição e coração - que se destaca em renderizar pequenos momentos indescritíveis, como somente a grande arte pode. —JD

9. 'Pai Mestre' (1977)

Esta poderia ter sido mais uma história triste da infância de uma pessoa jovem e sua transcendência triunfante dela no começo da idade adulta: 'Padre Padrone' é baseado na célebre história do linguista Gavino Ledda de crescer como pastor na Sardenha e no tratamento horrível que ele sofre com o pai tirânico - Ledda era analfabeto até quase os 20 anos de idade antes de embarcar em um mundo de renome carreira acadêmica. Mas nas mãos de Paolo e Vittorio Taviani, essa história se torna algo muito mais: longe de ser um afundamento no miserabilismo, 'Padre Padrone' torna-se uma das histórias de surrealidade mais surreais e singulares já filmadas - a certa altura, uma das cabras que o jovem Gavino continua tentando ordenhar realmente se dirige a Gavino diretamente na narração da narração. Sim, a cabra é um narrador - um dos muitos nessa história prismática que recebe meta desde o início e acaba se tornando tanto a natureza da narrativa quanto qualquer outra coisa. As primeiras cenas do jovem Gavino, recém-retirado da escola, e em uma longa estada com o rebanho de seu pai, parecem que poderiam ser ambientadas em outro planeta. É uma das visões mais parecidas com Jodorowski que já vieram de alguém que não seja Jodorowski. —CB

8. 'Os guarda-chuvas de Cherbourg' (1964)

“Guarda-chuvas de Cherbourg”

Um dos musicais mais influentes de todos os tempos, o deleite de Jacques Demy não teve apenas sucesso em Cannes - ele também recebeu cinco indicações ao Oscar, três das quais eram por sua música. Degrand e o reverenciado compositor Michel Legrand montaram uma tapeçaria em três partes para os personagens de Catherine Deneuve e Nino Castelnuovo para cantar o seu caminho, e embora 'I Will Wait for You' continue sendo a música mais conhecida, dificilmente é o verme do ouvido. Um drama romântico para todos os tempos, 'Os guarda-chuvas de Cherbourg' também tem a rara distinção de ser tanto um deleite visual quanto musical. —MN

7. 'Pulp Fiction' rdquo; (1994)

'Pulp Fiction'

Miramax

Muitos anos depois, mesmo os fãs mais exigentes de Quentin Tarantino não podem argumentar em chamar sua vencedora da Palme d'Or como seu melhor filme. Para o bem ou para o mal, existem poucos filmes nesta lista tão culturalmente relevantes quanto 'Pulp Fiction' - ecos de 'Zed está morto, bebê' e essa famosa cena de dança se espalhará pela cultura pop em perpetuidade. Imprensado entre 'Reservoir Dogs' e 'Jackie Brown', 'Pulp Fiction' estabeleceu Tarantino como o melhor cineasta pós-moderno, capaz de transformar uma homenagem vertiginosa recheada de inúmeras referências cinematográficas em um para-raios ferozmente original de um filme que alteraria para sempre o filme independente . Quando você pensa em quantas regras Tarantino quebrou para criar 'Pulp Fiction', é de admirar que tenha conquistado o estabelecimento em Cannes. —JD

6. 'Kagemusha' (1980)

Akira Kurosawa apresentou duas de suas maiores realizações cinematográficas no crepúsculo de sua carreira, e ambas foram o tipo de épico de época caro e ambicioso que muitos cineastas passam a vida lutando para conseguir. Com “; Kagemusha ”; e 'Ran', Kurosawa conseguiu entregar um par de obras históricas sobre a sangrenta história do Japão de reinos em guerra e líderes apaixonados. Começando em 1980 com 'Kagemusha', rdquo; Kurosawa ganhou seu primeiro Palme d'Or ou quando muitos cineastas podem ter se contentado com um prêmio honorário por toda a vida (ele ganhou um deles, um Oscar, 10 anos depois). Somente essa vitória (que foi em parte graças ao super-fã de Kurosawa, George Lucas, que ajudou o projeto a garantir o apoio do estúdio americano) faz desta uma vencedora por séculos. Mas 'Kagemusha' só ficou mais rico com o tempo. O drama vívido do cineasta envolve a história de um ladrão rebelde consignado em trabalhar como chamariz para um lorde doente (Tatsuya Nakadai, em ambos os papéis) para esconder sua doença; quando o líder morre, sua dupla é forçada a manter as aparências, tanto para o próprio clã quanto para as facções em guerra. Eventualmente, o “; kagemusha ”; (um engodo político) se instala em sua ilusão de poder com consequências devastadoras. O filme se torna uma meditação fascinante sobre o desespero de um povo desbotado que luta para manter as aparências enquanto o Japão consolida seu poder no campo de batalha. O confronto climático - uma ampla recreação da Batalha de Nagashino, quando milhares de vidas foram perdidas - é uma masterclass de requinte narrativo: Kurosawa manipula os movimentos de exércitos maciços em conjunto com as reações de um único espectador perplexo enquanto luta com o horror da guerra e a picada ideológica da derrota. Trata-se de um filme pessoal, escrito em grande escala, e uma conquista visionária de um cineasta que canaliza suas décadas de realizações em todos os quadros. —EK

5. 'Apocalypse Now' (1979)

'Apocalipse agora'

Zoetrope / Artistas Unidos / Kobal / REX / Shutterstock

'Este é o fim', cantam Jim Morrison, do The Doors, quando um incêndio acende uma linha de árvores no Vietnã. Cheio de suor, o capitão Willard (Martin Sheen), oficial de operações especiais do Exército, fuma na cama, olhando para um ventilador de teto antes de embarcar em uma viagem surreal de barco infundida de drogas pelo rio do Vietnã do Sul ao Camboja para encontrar o desonesto coronel Kurtz (Marlon Brando) ) Adaptado livremente por Coppola e John Milius de 'Heart of Darkness', de Joseph Conrad, 'Apocalypse Now' apresenta tantos momentos icônicos que é difícil lembrar que se esperava que fosse um desastre completo. 'Adoro o cheiro de napalm pela manhã', entoa o surfista de peito nu Coronel Kilgore (Robert Duvall). Helicópteros voam em formação sobre o mar, acompanhados pelo “Passeio das Valquírias” de Wagner. Após anos de atrasos nas Filipinas, incluindo o ataque cardíaco de Sheen e os conjuntos destruídos por tufões (narrado por Eleanor Coppola em “Hearts of Darkness: A Filmmaker's Apocalypse”) ), Francis Ford Coppola exibiu “Apocalypse Now” como um trabalho de três horas em andamento em Cannes, onde a extinta recepção foi suficiente para dar ao diretor sitiado alguma confiança para terminar seu corte, para que a United Artists pudesse lançá-lo em agosto - com o estado. som surround de última geração - quando foi um sucesso. (A nova versão 'final' em 4K Dolby Atmos de Coppola foi exibida no Tribeca Film Festival.) O filme ganhou o prêmio principal com 'The Tin Drum' e derrotou 'Norma Rae' e 'Days of Heaven'. Agora é amplamente divulgado. considerado um dos melhores filmes já feitos. —AT

4. 'Viridiana' (1961)

Quando um filme vence a Palme d'Or, é banido em seu país de origem e é denunciado pelo Vaticano, deve estar fazendo algo certo. É o caso da obra-prima de Luis Buñuel, de 1961, que hoje parece menos ousada do que há quase 60 anos. O mestre surrealista aqui volta sua atenção para um noviciado cujo plano de fazer seus votos é complicado por um convite para visitar seu tio - um homem que vê em sua sobrinha uma semelhança com sua querida esposa falecida. O que se segue é escandaloso, é claro, e retratado com o tipo de inteligência e domínio de que Buñuel fez carreira. Quanto às suas intenções, o cineasta colocou como só ele poderia: 'Eu não me decidi deliberadamente como uma blasfêmia, mas o papa João XXIII é um juiz melhor dessas coisas do que eu.' —MN

3. 'La Dolce Vita' (1960)

Fellini com a Palme d'Or

Wehrle / AP / REX / Shutterstock

Talvez o definitivo público de Cannes, a magnum opus de Federico Fellini, seja uma história exuberante sobre a busca pela doce vida de mesmo nome ao longo de apenas sete dias em Roma. O filme de Fellini não foi apenas um sucesso maciço, que apenas selou seu lugar como um dos maiores cineastas do cinema, mas um filme que deu ao mundo moda ousada, novos ditos e palavras inteligentes (olá, 'paparazzi'!) , e algumas perguntas existenciais incrivelmente ricas para serem analisadas. Como o jornalista de celebridades Marcello Rubini, Marcello Mastroianni é, sempre foi, e sempre será um homem surpreendentemente moderno, e as perguntas que ele enfrenta enquanto se deleita com Roma - tipo, ele só quer se divertir ou se realmente quer fazer algo significativo com a vida dele? - são atemporais. Mas isso não significa que nem tudo pode ser divertido de assistir, e enquanto o vencedor de Fellini não deixa seu público fora do gancho quando se trata de pensar nos verdadeiros instintos da vida, ele o faz com muito estilo. e diga que você quase (quase!) esquece o que realmente está pedindo de você. —KE

2. 'O Leopardo' (1963)

O leopardo

Por trás dos luxuriantes ornamentos do vencedor de Luchino Visconti em 1963, está o coração do mais trágico dos dramas pessoais e políticos. Adaptado do romance homônimo de Giuseppe Tomasi di Lampedusa, o épico italiano segue os dias minguantes da aristocracia siciliana através dos olhos do (tipo de) leopardo homônimo, Don Fabrizio Corbera (interpretado por Burt Lancaster em um de seus livros). melhores papéis, embora seu elenco fosse controverso na época). O filme apresenta duas longas sequências que marcaram o filme como uma obra-prima e uma conquista importante para Visconti: uma cena de batalha de 25 minutos que não economiza no horror e uma sequência de 45 minutos de parada no coração que vê Don Fabrizio percorrendo quase toda emoção, todo pensamento, todo movimento com emocionante destreza emocional. É um filme sobre a inevitável passagem do tempo, mas nada sobre isso parece (mesmo agora!) Rotineiro ou pelo livro. O primeiro corte de Visconti levou um tempo de execução de 205 minutos - nenhuma surpresa, considerando aquelas lindas sequências longas - e foi reduzido para 195 minutos para Cannes, depois 185 minutos para um lançamento italiano, com a versão dublada em inglês em 161 minutos . Ainda assim, é um filme que exige ser visto na íntegra, porque quem poderia saber melhor que cada minuto conta do que o próprio Don Fabrizio Corbera? —KE

1. 'Motorista de táxi' (1976)

'Taxista'

Imagens de Columbia

A colega Palme ou o vencedor Quentin Tarantino uma vez chamou de 'Taxi Driver' o maior estudo sobre personagens em primeira pessoa já comprometido com o cinema e não estamos aqui para discordar. O que foi mais notável nesse período da carreira de Scorsese é que ele poderia parecer um psicopata racista como Travis Bickle (Robert Deniro) diretamente nos olhos, não dar desculpas, nem polir nenhuma de suas verrugas, mas nos convidar cinematicamente para seu mundo de uma maneira que nos fez entendê-lo. As imagens alucinatórias de Scorsese misturadas com a narração do compositor e roteirista Paul Schrader e compositor Bernard Hermann criam uma visão de pesadelo de Nova York 1976, tão cheia de exuberância cinematográfica que é tão emocionante quanto aterrorizante.

Na verdadeira forma de Paul Schrader, o filme nos prepara para enfrentar a violência e a loucura de uma maneira desconfortável, sangrenta e chocante até o final. É um final controverso, do tipo que impulsiona a conversa nos círculos cinéfilos e repele os espectadores em hordas. E, no entanto, mais de 40 anos depois, esse retrato sombrio e sombrio de um psicopata não é apenas uma joia da Criterion Collection, mas um clássico de cinema americano, citado ('Você está falando comigo?') E re-assistido como esse 'maxilares'. ; ou 'O Poderoso Chefão'. Não há imagem na história do cinema que possua algo parecido com o imóvel ocupado por 'Taxi Driver'. -CO



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