Se o filme está morrendo, a programação de gêneros pesados ​​de Cannes 2019 provou que a morte é apenas o começo

“Era uma vez em Hollywood”

Sony / YouTube

As piadas começaram antes mesmo do início das exibições - diabos, eles praticamente se escreveram: 'The Dead Don' t Die ”; não seria apenas a seleção da noite de abertura do Festival de Cannes de 2019, também poderia ser o seu slogan. Har har.



Se Cannes conseguiu permanecer sinônimo do próprio cinema, isso é parcialmente porque as pessoas falam sobre eles como se fossem pacientes de cuidados paliativos. Todos os anos, milhares de jornalistas de todos os cantos do mundo vêm para a Riviera Francesa vestidos para uma festa, mas preparados para um funeral. E embora essa atitude tenha se tornado um pouco pro forma (e performativa) na era digital, é difícil negar que o festival de 72 anos tenha envelhecido em um anacronismo elegante.

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É uma tomada tão antiga quanto o tempo: Cannes é uma instituição do século 20 que desafiadora se inclina para os ventos contrários de um mundo do século 21 - é o evento mais sagrado do gênero e também o mais resistente à mudança. Enquanto o resto da indústria cinematográfica avança, Cannes fica feliz em se firmar; enquanto outros festivais abraçam o futuro, este está determinado a honrar o passado. Às vezes, isso pode ser para melhor (por exemplo, uma recusa em se render incondicionalmente nas guerras de streaming), e às vezes definitivamente é para pior (por exemplo, um desinteresse retrógrado pelas diretoras).

Qualquer que seja a maneira como você o divide, permanece o fato de que Cannes se vê como um farol orgulhoso da tradição em um período de progresso incontrolável, enquanto os críticos estão mais inclinados a pensar nisso como um zumbi de smoking, murmurando 'cin-e-ma'. ; de seus frios lábios azuis enquanto desce o tapete vermelho do lado de fora do Grand Théâtre Lumière. Sob esse prisma, iniciar o programa de 2019 com um meta-riff sobre George Romero quase parecia um ato calculado de auto-paródia; como Cannes insistia em que apodreceria mais do que se juntaria à revolução.

Mas se o meta riff de Jim Jarmusch sobre George Romero acabou sendo um trabalho sem vida, a decisão de exibi-lo como a seleção da noite de abertura acumulou uma ressonância inesperadamente poética à medida que a quinzena se desenrolava. O que, a princípio, parecia um movimento troll de um festival que estava cansado do discurso em torno dele, começou a parecer algo muito diferente uma vez que 'The Dead Don 't Die' foi seguido por vários outros filmes melhores sobre zumbis. Filmes sobre fantasmas. Filmes sobre gênios, criaturas mitológicas e monstros da memória.

A falha de ignição de Jarmusch preparou o palco para o Cannes com mais gênero na história recente; uma Cannes que celebrou sua suposta morte para iluminar um meio que encontrou uma nova vida além da sepultura. Se Cannes é um festival fora do prazo, a edição deste ano alcançou relevância e rara urgência ao insistir em que o passado está sempre presente e que qualquer valor futuro do filme possa depender da capacidade única do cinema de lembrar isso para nós.

'Os mortos não morrem'

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Ir a Cannes é sempre como andar de carro em um Delorean para um lugar mágico onde os autores são deuses e Netflix é uma palavra suja: mas a 72ª edição do festival parecia um colapso temporal total. A primeira dica de acontecimentos estranhos ocorreu apenas alguns minutos em 'The Dead Don 't die', quando um policial de uma cidade pequena interpretado por Adam Driver percebe que seu relógio parou de funcionar. Não apenas esse mau funcionamento serve como presságio da destruição iminente, mas também localiza o filme de Jarmusch - que subverte amplamente um lugar parecido com Mayberry com chapéus MAGA e zumbis que desejam Xanax - em um instável instante de tempo entre então e agora.

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Mais precisamente, 'The Dead Don' não morre 'rdquo; ocupa tanto então e agora, de uma maneira que os filmes (ou pelo menos a experiência de assisti-los) sempre fazem, e nada mais pode. Mas o que mais diferencia esse filme do resto de seu gênero é que seus zumbis são definidos pela miopia de seus discos. Na morte, como na vida, eles foram reduzidos aos seus desejos mais básicos; 'cérebros' são antiquados, então agora eles avançam com desejos de café, chardonnay e outros prazeres imediatos que antes os distraíam do populismo, fracking polar e os vários outros horrores que estão sendo visitados em nosso mundo. É uma idéia clara e óbvia demais para sustentar 100 minutos de filme: o que os zumbis querem os cegou para o que eles precisam, e sua falta coletiva de memória cultural representa o fim potencial de toda a humanidade.

Kleber Mendonça Filho está demente furioso 'Bacurau' ofereceu outra alegoria mais complicada (e ainda mais literal) sobre o valor da memória cultural e os perigos do esquecimento. O neo-ocidental psicodélico de Filho recebeu o nome de uma remota vila brasileira que é excluída dos mapas assim que sua matriarca morre e depois atacada por um grupo homicida de turistas americanos em algum tipo de safari humano.

Bacurau

Situado num futuro próximo, mas explicitamente retirado de uma ampla variedade de textos clássicos ('Sete Samurais' e 'El Topo' são apenas dois dentre muitos), este item vencedor do prêmio do júri é mais do que uma repreensão irritada a um governo que está tentando sufocar as artes, é também uma fábula urgente sobre como as pessoas vulneráveis ​​se tornam quando são separadas do passado e como é fácil para as pessoas serem separadas do passado quando são privadas de um lugar para preservá-lo.

O filme pode nunca mais ser lido dessa maneira, mas no contexto de Cannes foi tentador ver a vila de Bacurau como um substituto da experiência teatral - da idéia do cinema como um lugar sagrado. Quando a violência começa, não é surpresa que o museu Bacurau se torne o local. maior recurso em sua luta contra o futuro.

Os filmes de Bertrand Bonello vêem o tempo como menos uma linha reta do que uma agitação inquieta; da 'Casa dos Prazeres' para 'Nocturama', seu trabalho ofusca temporalidades claramente delineadas, a fim de sugerir que a história está sempre aqui conosco. Como o próprio título sugere, 'Zombi Child' encontra o diretor francês levando essa idéia à sua conclusão mais lógica e literal. Está inserido na estrutura do seu curio de horror, que complica o tempo, o que complica a verdadeira história de Clairvius Narcisse - um haitiano que se disse ter sido transformado em morto-vivo - com uma narrativa paralela que segue Narcisse. neta (fictícia) enquanto freqüenta um colégio interno de elite na atual Paris.

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Cortando entre seus dois enredos até que eles se unem em um terceiro ato esquisito, Bonello vê Vodou como uma comunhão entre espíritos, mas também como uma comunhão entre gerações. A religião sincrética (ou alguma versão bastardizada de Hollywood) já foi objeto de inúmeros filmes, mas 'Zombi Child' insere suas correntes sobrenaturais como resposta à separação cultural da escravidão e do colonialismo. Das cenas sinistras de um dia dos mortos-vivos Narcisse vagando pelos campos em busca de sua família, a um surto climático que evoca 'Hereditário' sustos em todos os sentidos da palavra, o filme de Bonello cria uma ponte inviolável entre identidade e memória; os vivos e os mortos. O passado nem sequer é passado, e quem insiste em fazê-lo por sua própria conta e risco.

Terrence Malick é penetrante e surpreendentemente holístico 'A Hidden Life' ofereceu um muito diferentes assumem os perigos de apenas olhar para o futuro e o poder da religião para ajudar a manter as coisas em perspectiva. Enquanto ancorado no domínio metafísico da fé e da divindade, o tratado antipaz nazista de Malick foi um dos poucos destaques de Cannes a não flertar com o gênero.

'Atlantics'

Netflix

Mati Diop 's' Atlantics, 'rdquo; por outro lado, mergulhou um dedo muito hesitante nas águas do sobrenatural para contar uma história de fantasma vingativa sobre os custos da modernização. Menos focado, mas mais impressionante do que muitos dos outros filmes em Competição, o filme de estréia de Diop encontra sua força como um tiro de advertência a um Senegal que está disposto a enterrar seus pobres no futuro que eles estão construindo para os ricos. Como a Palme, de Bong Joon-ho, ou 'Parasita vencedora', ou 'Vencedor' e Palme de Céline Sciamma, ou 'Merecedor de' Retrato de uma Dama em Chamas ' (ambas as histórias de fantasmas à sua maneira), 'Atlantics' pinta um mundo em que o velho e o novo - passado e presente - estão vivendo um sobre o outro; um mundo em que expressões de memória exclusivamente cinematográficas se tornem os heróis ’; melhor esperança contra ser esquecido. Não está estragando o que acontece no filme para dizer que Diop olha para os mortos em busca de orientação.

Woody Allen Diane Keaton

Dada a insistência de Diop de que o futuro deve temer o presente, há algo um pouco irônico no fato de que 'Atlantics' foi finalmente adquirido pela Netflix. Por outro lado, seu filme - o primeiro de uma mulher negra a ser exibido na competição de Cannes - ofereceu um exemplo perfeito de como a cultura cinematográfica pode reorientar seu poder fundamental por expandir e crescer mais inclusivo; ilustrando como o maior papel do cinema no século XXI será como fonte de memória cultural.

Este ano, Cannes não argumentou a favor dos 'bons e velhos tempos', ou insistir em nos levar de volta ao tempo em que a Croisette era apenas um lugar para deificar a arte masculina e desumanizar suas belas estrelas. Pelo contrário, o festival apresentou um argumento convincente para o seu próprio futuro, mostrando que o verdadeiro progresso não é possível sem manter um vínculo com o passado; que não podemos definir de onde estamos indo sem ficar de olho em de onde viemos.

Cannes ainda tem um longo caminho a percorrer para fazer com que o sucesso deste ano pareça mais uma missão do que um acaso, mas é um bom presságio que mesmo o maior filme desta edição de Cannes enfrentou diretamente as acusações de obsolescência que estão sendo constantemente nivelado no festival e no cinema como um todo. Mais do que apenas uma maneira de Quentin Tarantino deixar sua marca no período da história do cinema que o tornou o homem que ele é hoje, o brilhante e enlouquecedor 'Era uma vez em Hollywood'. mergulhou de volta ao pôr do sol dos filmes ’; idade de ouro, a fim de contar uma história atemporal sobre crescer, envelhecer e encarar um futuro que talvez não tenha um papel a desempenhar.

Rick 'Porra' Dalton não é apenas um substituto para seu diretor de meia-idade, ele também é um símbolo bêbado de uma indústria moribunda que tem memória curta e um fusível longo - uma indústria moribunda que agora se encontra no seu maior ponto de inflexão desde 1969, ainda não coaxou. Às vezes, sugere o inebriado conto de fadas de Dalton, o passado é tudo o que está nos protegendo do futuro. Às vezes, a morte é apenas o começo.

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